Les 10 Plus Importants Artistes Italiens Que Vous Devriez Connaître

L'Italie a produit beaucoup de brillants esprits qui ont marqué l'histoire de l'art. Au cours de la Renaissance, les cités-États italiennes étaient au centre d'une incroyable floraison de culture visuelle qui allait non seulement influencer les générations futures mais redéfinirait aussi ce que signifiait être un artiste. Peintres et sculpteurs ne sont pas seulement considérés comme des artisans, mais aussi comme des hommes d'apprentissage capables d'exprimer quelque chose de profondément personnel. Puis vint le drame et l'intensité des artistes baroques. Les temps modernes ont apporté plus de changements, certains artistes ont plongé profondément dans leur milieu tandis que d'autres se sont tournés vers des questions politiques et sociales. Tout le long du chemin, il y avait des personnalités hors concours qui ont illuminé les préoccupations de leur temps. Consultez notre liste de 10 des figures les plus intéressantes de l'art italien

Léonard de Vinci

Char d'assaut avec des faux de Da Vinci | Wikimedia Commons

On a beaucoup parlé de ce véritable homme de la Renaissance, qui n'était pas seulement un peintre mais un mathématicien, un scientifique, un ingénieur, un inventeur, un architecte et bien d'autres choses encore. Sa curiosité et son imagination infinies l'ont amené à imaginer des machines très en avance sur son temps, à plonger dans l'anatomie de manière inédite et, bien sûr, à créer des peintures et des dessins qui stupéfieront les gens pendant de nombreux siècles. Dans ses peintures, il y a un sens profond du mystère de l'existence - le mystère qu'il cherchait, à bien des égards, à chasser, disséquer et comprendre.

Michel-Ange Buonarotti

Pieta de Michel-Ange | WikiMedia Commons

À bien des égards, Michel-Ange a défini ce que signifie être un artiste. Bien qu'il soit connu pour ses peintures, il se considère avant tout comme un sculpteur. Né et élevé dans une ville de carrière de pierre, il a dit qu'il buvait avec le lait de sa mère le talent de manipuler le marteau et le ciseau. Un maître de l'anatomie, il a utilisé les muscles tendres, tordant les muscles et les tendons du corps humain pour exprimer sa puissante vision du monde.

Giovanni Bellini

Vierge à l'Enfant par Bellini | Wikimedia Commons

Bellini était le Vénitien de la Renaissance qui a pris le milieu de la peinture à l'huile à une nouvelle capacité expressive. Il a été le pionnier d'une technique où les couleurs ont été progressivement construites en couches minces et translucides. Le résultat final est brillant, riche et brillant comme aucun autre. Dans ses retables, vous trouverez une sorte de silence paisible, illuminé par de magnifiques couleurs qui semblent être allumées de l'intérieur.

Michelangelo Merisi da Caravaggio

L'Incrédulité de Saint Thomas par le Caravage | Wikimedia Commons

Connu dans les manuels d'histoire de l'art pour ce qu'on a appelé son «réalisme», Caravage a donné vie à des scènes bibliques en les jetant avec des gens ordinaires - les gens de la rue populaire non lavés. Connu pour avoir créé des scandales, il a modelé la Vierge Marie d'après une célèbre prostituée, puis a rempli la partie principale d'un retable avec l'arrière d'un cheval. Néanmoins, entre être exilé pour des épisodes de violence et de bagarres, il a trouvé le travail et la reconnaissance comme l'un des artistes les plus talentueux de sa génération.

Artemisia Gentileschi

Lucrezia par Artemisia Gentileschi | Wikimedia Commons

Artemisia est l'un des grands peintres de l'époque baroque. Les femmes artistes de son temps étaient confinées à des natures mortes et à des portraits, car il était inconvenant pour les femmes de peindre à partir de la figure nue. Mais Artemisia ne voulait pas que ça l'arrête. À seulement 17 ans, elle a brisé les tabous avec sa peinture de Susanna et les Aînés, dans laquelle elle affiche fièrement un nu complètement frontal, smack dab au centre du cadre. Elle a été violée deux ans plus tard par un autre peintre et soumise à la torture pendant l'enquête du procès, mais ses luttes n'ont fait qu'accentuer sa production artistique en peignant des femmes fortes et provocantes.

Gian Lorenzo Bernini

Apollo & Daphne par Bernini | Wikimedia Commons

Le sculpteur avec la touche magique qui pouvait transformer le marbre en tout ce qu'il voulait, Bernini était un génie précoce qui redéfinirait ce qui était possible avec la sculpture. À la Galleria Borghese, vous trouverez certains de ses plus grands chefs-d'œuvre. Dans Apollo et Daphne, vous vous émerveillerez devant les feuilles de laurier presque translucides reliées par des branches minces qui s'étendent sur le bout des doigts de Daphne. En regardant l'Enlèvement de Prosperina, vous jurez que la pierre est devenue chaude, chair vivante.

Amedeo Modigliani

Le Grand Nu par Modigliani | Wikimedia Commons

La vie débauchée désespérée du bohémien Modigliani a commencé quand il est né dans la ville italienne de Livourne. Il a vagabondé à travers le Paris du début du XXe siècle avec un cercle d'artistes et d'intellectuels qui comprenait Pablo Picasso, Jean Cocteau et Diego Rivera. Il n'a jamais fait partie des divers «ismes», comme le cubisme ou le futurisme, qui se frayaient un chemin à travers le continent. Il a exploré son propre style distinctif, peignant avec de longues lignes courbes.

Tina Modotti

Guitare avec des balles et une faucille de Modotti | Ginexin / Flickr

Photographe révolutionnaire, muse, actrice de films muets, militante politique et (peut-être) espionne, Tina Modotti est née à Udine dans une famille ouvrière. Elle est devenue la maîtresse du photographe influent Edward Weston et a déménagé avec lui au Mexique. Là, ils se sont impliqués avec tous les intellectuels révolutionnaires qui ont secoué l'histoire, tels que Frida Kahlo, Diego Rivera et Pablo Nerdua. Modotti elle-même a commencé à prendre la caméra là car elle est devenue de plus en plus politisée. Son travail transforme la photographie en une poésie emblématique, avec des clichés simples et austères montrant des mains de travailleurs tenant des bêches, des sombreros croisés avec le marteau et la faucille, un épi de maïs posé au cou d'une guitare et un rayon de balles. Giorgio Morandi

Nature morte 1942 par Morandi | clairance / Flickr

Le peintre le plus important de la scène italienne d'après-guerre, Morandi était un homme reclus qui ne s'est jamais marié et a vécu dans une maison partagée avec sa mère et ses soeurs toute sa vie. Il gardait une collection de bouteilles et de boîtes qu'il arrangeait et réorganisait en compositions silencieuses. Dans ces petites natures mortes, les objets du quotidien deviennent des récipients pour exprimer les fluctitudes infinies du temps et de l'espace, de la lumière et de l'obscurité.

Piero Manzoni

Merda d'artista de Manzoni | Wikimedia Commons

Un pionnier de l'art conceptuel, Manzoni est peut-être mieux connu pour son travail appelé la merde de l'artiste. C'était une série de boîtes de 30 grammes censées contenir ses excréments, destinés à être vendus au prix de son poids en or. Ce type de critique culturelle ultra-ironique visait à ridiculiser une ère de production de masse et de consommation, où la culture est excrétée, mise en boîte et tournée vers le profit. Sa mort en 1963 a été signée et déclarée - comme tant d'autres choses dans sa vie - une œuvre d'art.