Les 10 Meilleurs Artistes Syriens Contemporains
Khaled Takreti, 220 Volts, 2014, Acrylique sur Toile, 106 X 160 cm | Khaled Takreti (né en 1964 à Beyrouth) a étudié l'architecture et le design à l'université de Damas et a travaillé au musée national de Damas avant de déménager à New York pendant deux ans (1995-1997) puis à Paris en 2006. Son travail fait partie d'importantes collections privées et institutionnelles, telles que celles de MATHAF, du Musée d'art contemporain de Doha, du Musée national syrien et de la Galerie nationale des beaux-arts de Jordanie. Il a beaucoup exposé à la galerie Ayyam à Dubaï (2012 et 2010), à Beyrouth (2010) et à Damas (2009). Son travail a également été montré à Mathaf et à la Biennale d'Alexandrie, parmi d'autres institutions.
Un éventail de thèmes, profondément enracinés dans son héritage culturel et historique syrien, fournit la source d'inspiration pour les toiles de Takreti. Les concepts qu'il aborde incluent les conflits récents qui ont tourmenté la Syrie et leurs répercussions sur la population, la vie des femmes en Syrie, les questions d'identité, de mémoire et de déplacement, et les souvenirs de son enfance à Damas. L'artiste combine également des références à des vues culturelles occidentales et moyen-orientales, reflétant son éducation et sa vie multiculturelles. Il préconise la liberté d'expression et de créativité, ce qui est primordial dans sa pratique artistique: «La liberté, c'est quand quelqu'un peut exprimer ses idées et ses choix sans crainte et sans embarras.»
Pendant son séjour à New York, Takreti a été influencé par le Pop Art. et des œuvres telles que «La Vie en Rose» (2008) et «La Chasse au Dinosaure» (2009), montrées à la galerie Ayyam de Dubaï (2010) montrent clairement une telle inspiration. Un tournant important dans sa pratique vient avec sa plus récente et unique exposition solo à Ayyam à Londres,
Complete Freedom
. L'artiste abandonne ses compositions aux couleurs vibrantes au profit de silhouettes noires et de silhouettes subtiles mais poignantes sur des toiles brutes qui utilisent un style graphique exacerbé. L'œuvre de Khaled Takreti se trouve à la galerie Ayyam, avenue Alserkal, sortie 43, rue 8, Al Quoz 1, Dubai, EAU, +971 4 3236242 Khaled Takreti, Les Enfants de la Syrie, 2013, acrylique sur toile, 106 X 196 cm | Avec la permission de la galerie Ayyam
Ammar Al-Beik
Ammar Al-Beik (né en 1972 à Damas) est un artiste, un cinéaste et un photographe autodidacte. Son travail a été exposé et projeté à l'international, notamment au Festival international du film de Sao Paulo, au Festival du film documentaire d'Edimbourg et au Festival international du film de Berlin. Al-Beik a reçu des prix tels que le Prix du Jury au Festival international du court métrage de Busan, Corée (2012) et le Golden Award au Festival du film arabe de Rotterdam, Hollande (2007), entre autres. En 2006, il a été le premier cinéaste syrien à remporter le prix du meilleur documentaire au Festival international du film de Venise, avec son travail
Je suis celui qui apporte des fleurs à sa tombe
. Le film est un récit poétique et intime des vies et des souvenirs de deux personnes qui considéraient l'art comme un mode de vie. L'œuvre d'Al-Beik est réputée pour son caractère expérimental, tout en capturant l'essence de la vie dans un style cinématographique et anticonformiste souvent chargé de références politiques. Selon l'artiste, l'art ne doit pas seulement imiter, mais capturer la vie. Son année 2011 L'Incubateur du Soleil , présenté au 68e Festival international du film de Venise, a exploré les événements du Printemps arabe. Ses œuvres photographiques présentent également une qualité cinématographique et une fonction de narration visuelle, présentées en grand format Ultra-chrome. avec des jeux contrastés de lumière et d'ombre, des thèmes traditionnels et modernes. Par exemple, dans «La Strada» de la série The Lost Images 2
, il présente un portrait graveleux et vieilli d'une mère avec un enfant, le visage à peine reconnaissable, entouré de négatifs colorés d'anciennes reliques sculpturales. Dans son exposition solo à la galerie Al Quoz d'Ayyam à Dubaï, intitulée Boya Boya Boya, la profonde révérence d'Al Beik pour la résilience quotidienne des êtres humains en période de souffrance est expliquée par une exposition centrée sur la vie d'un seul individu: Abou Hani, un cireur de chaussures syrien vivant au Liban. L'exposition prend un tournant important pour l'artiste, en se concentrant sur une pratique plus conceptuelle, à travers ce qu'il appelle «un besoin urgent d'exprimer l'existence à travers les objets, les idées, les images, les sons et l'espace». trouvé à la galerie Ayyam, avenue Alserkal, sortie 43, rue 8, Al Quoz 1, Dubaï, Emirats Arabes Unis, +971 4 3236242 Ammar Al-Beik, la cité perdue 1, 2008, tirage d'archives sur toile, 108 X 180 cm , Édition de 3 | Avec la permission de la galerie Ayyam
Tammam Azzam
Tammam Azzam (né en 1980 à Damas, en Syrie) est issu de la jeune génération d'artistes syriens et vit en exil à Dubaï. Il a eu plusieurs expositions avec la galerie Ayyam à ses différents endroits, y compris Londres (2013), Al Quoz - Dubaï (2012, 2009), DIFC Dubaï (2011), Beyrouth et Damas (2010).
Azzam a pris de l'importance pour son art qui aborde la destruction et la souffrance de la population syrienne face aux tragédies et aux ravages causés par les conflits, ainsi que l'apathie de la communauté internationale. Dans une interview, Azzam dit à propos de son travail: «Je suis un artiste qui fait de l'art avec des antécédents politiques à cause de la situation, parce que je suis syrienne, je dois donc être impliqué dans ce qui se passe dans mon pays. Il ajoute qu'il n'est pas soldat, qu'il se fout du régime et qu'il ne se bat pas contre le régime. «Je me bats pour soutenir les gens, alors c'est la différence pour moi.»
Avec la technologie numérique, il a créé la série
Le Musée syrien
, qui juxtapose des chefs-d'œuvre occidentaux tels que Goya, Picasso , Da Vinci, avec des images de la Syrie contemporaine et ses paysages urbains désolés et défigurés. En combinant des images de certaines des plus grandes réussites de l'humanité avec la souffrance auto-infligée de l'humanité et sa capacité de destruction, l'artiste souligne l'absurdité de ce dualisme et de l'atrocité de la guerre. Au début de 2013, une de ses œuvres de la série est devenue virale sur Internet. Intitulée «Freedom Graffiti», l'image présente le «baiser» de Gustav Klimt en tant que peinture murale sur un bâtiment bombardé et déchiré par des balles en Syrie. Avec ce travail, l'artiste a tenté d'envoyer un message espérant que l'amour universel pour l'humanité l'emportera et que la paix revienne dans sa patrie.
Le travail de Tammam Azzam se trouve à la galerie Ayyam, avenue Alserkal, sortie 43, rue 8, Al Quoz 1, Dubai, UAE, +971 4 3236242 Tammam Azzam, Démonstration, 2013, Tirage d'archive sur papier de coton, 112 X 112 cm, Edition de 5 | Avec la permission de la galerie Ayyam Hrair Sarkissian
Hrair Sarkissian (né en 1973 à Damas en Syrie) est photographe et est basé à Londres depuis 2010. Sa formation a eu lieu au studio de photographie de son père où il a appris à maîtriser l'art de la photographie et développé son style unique. Sarkissian a participé à de nombreux événements internationaux et a été présenté dans des institutions du monde entier, notamment à la Tate Modern de Londres et au Mori Art Museum de Tokyo. Son travail fait partie des collections de la Tate Modern, de la Sharjah Art Foundation et de la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, en Italie. En 2013, il a été le premier artiste syrien à remporter le Abraaj Group Art Prize à Dubaï, pour sa série intitulée
Contexte
.
La pratique de Sarkissian se caractérise par un élément de recherche, ainsi que par la dichotomie du visible et de l'invisible. La recherche porte sur les réponses à propos de ses souvenirs personnels et de son histoire, tandis que l'engagement avec ce qui est visible et ce qui ne l'est pas vient en tant que réévaluation de récits historiques, religieux et sociaux plus vastes. L'invisibilité par rapport à la visibilité est évidente dans ses paysages et lieux souvent déserts, dépourvus de présence humaine pourtant remplie d'existence humaine. L'intervention de l'humanité est, bien qu'invisible, tangible à travers les bâtiments en cours de construction ou les paysages urbains en ruines, restes de conflit. Un élément fantomatique est une présence constante qui peuple ces espaces liminaux, où le temps semble exister à la fois de son contexte historique) et un vide indéfini et éternel, comme dans «Execution Squares» et «Istory». Dans une interview avec Paddle8, Sarkissian dit: «Ces sites abandonnés représentent des espaces privés de temps, où le temps est arrêté et nous recherchons son existence, puisque sa visibilité n'atteint pas la perception. Le vide décrit par l'artiste fait référence à cette perte de temps, qui peut être liée aux conséquences du conflit syrien, à la perte de souvenirs et de vies et aux processus de diaspora. Le travail de Hrair Sarkissian peut être trouvé dans les galeries Kalfayan. Haritos Str, 106 75 Kolonaki, Athènes, +30 210 7217679
Hrair Sarkissian, Historique, 2013, six estampes Duratrans | © Vipul Sangoi Avec l'aimable autorisation du Prix d'art du groupe Abraaj
Nihad Al Turk
Nihad Al Turk (né en 1972 à Alep, en Syrie) est un peintre séminal syrien qui vit et travaille actuellement à Beyrouth. Il est un artiste autodidacte et a commencé à dessiner quand il était enfant, passant à la peinture dans son adolescence. Dans les années 1990, il a commencé sa carrière en Syrie et avec le début du nouveau millénaire il a commencé à exposer avec la galerie Ayyam à Beyrouth et Damas, l'Armory Show et Mark Hachem Gallery à New York et la Lattaquié en Syrie (2003), où il a reçu le Prix d'Or pour son travail, et le Musée d'Art Moderne et Contemporain de Damas (2009).
La pratique d'Al Turk est éclairée par ses nombreuses lectures dans les domaines de la littérature, de la philosophie et de la théorie. Ses œuvres sont des compositions complexes à plusieurs niveaux qui explorent la psychologie de l'homme. Prenant en considération les questions existentialistes, les mythes, les luttes de pouvoir, ses peintures sont riches en symboles tissés dans des récits complexes. Ses riches images visuelles vont de créatures monstrueuses et de démons mythiques à des natures mortes et à des éléments botaniques pour les anti-héros, les parias et les rebelles.
Souvent, ses peintures adoptent ce que la galerie Ayyam appelle une «esthétique de la distorsion». caractère déformé, triste et déçu, ou d'autres éléments déformés au sein de la composition. Al Turk croit que tout homme est déformé de l'intérieur et que la vie consiste à améliorer notre moi déformé en vivant par l'amour. L'artiste croit aussi qu'une partie de cette amélioration vient de la capacité d'observer et de comprendre le mal: «Je crois que ma tâche est d'observer le mal dans la vie. Le mal me séduit plus. La créature mythique est le résultat de l'être humain contemporain. Puisque l'être humain est vu comme «une masse déformée qui travaille dur pour chercher le meilleur», c'est le sens de trouver une étincelle d'espoir dans cette créature brisée et déformée, mais qui aime la vie à la fin de la journée. Par exemple, j'aime la forme de l'intuition, qui désigne un être humain en difficulté et réprimé. »
Le travail de Nihad Al Turk se trouve à la galerie Ayyam, avenue Alserkal, sortie 43, rue 8, Al Quoz 1, Dubaï, Émirats Arabes Unis, +971 4 3236242
Nihad al-Turk, L'Olive, 2013, Technique Mixte sur toile, 70 X 246 cm | Avec la permission de la galerie Ayyam
Ammar Abd Rabbo
Ammar Abd Rabbo (né en 1966 à Damas en Syrie) a déménagé avec sa famille à Tripoli, en Libye, puis à Beyrouth, au Liban, à un jeune âge. À l'âge de 12 ans, il a fui le Liban pendant la guerre civile et s'est installé en France en 1978. Journaliste de profession, Rabbo a travaillé pour des agences de presse et a publié dans le
Time Magazine
,
Paris Match , Der Spiegel , Le Monde , et Asharq Al Awsat , où il a signé plus de 60 Couvertures de magazines. Avec une carrière de plus de 20 ans, il a photographié un large éventail de sujets, de la guerre en Irak, au Liban et en Libye, divers chefs d'Etat et de dirigeants politiques, des personnalités comme Michael Jackson et des acteurs renommés. En 2012, Ayyam Gallery Beyrouth a organisé sa première exposition solo en tant qu'artiste, intitulée Coming Soon et présentant une nouvelle série de travaux qui a dévié de son objectivité photojournaliste pour se concentrer sur une expérience plus personnelle et intime. La série dépeint des femmes enceintes nues à travers des silhouettes artistiquement capturées et baignées d'ombres. Les images sont chargées de références à la femme comme un symbole de la féminité et de la sexualité, et l'association avec les anciennes déesses de la fertilité. En représentant les femmes dans leur état le plus vulnérable et le plus puissant, Rabbo voulait «encourager le public à penser différemment à la grossesse».
Suivez le Leader , sa deuxième exposition solo à Ayyam à Dubaï, est une série de 15 portraits de leaders mondiaux dans leurs moments les plus spontanés et personnels. Y compris des images de la reine Elizabeth II et du prince Charles, du président syrien Bashar El Assad et de sa femme ou du dirigeant libyen Mouammar Kadhafi, entre autres, ces portraits nous rappellent que les icônes politiques sont simplement des êtres humains comme nous tous Ammar Abd Les œuvres de Rabbo peuvent être trouvées à la galerie Ayyam, avenue Alserkal, sortie 43, rue 8, Al Quoz 1, Dubaï, Emirats Arabes Unis, +971 4 3236242
Safwan Dahoul, Dream 80, 2014, acrylique sur toile, 180 x 200 cm | Avec la permission de la galerie Ayyam Safwan Dahoul
Safwan Dahoul (né en 1961, à Hama, en Syrie) est l'un des nombreux artistes syriens qui ont quitté leur pays pour se réinstaller à Dubaï. Dahoul a fréquenté le Centre Suheil Al Ahdab des Arts Plastiques et la Faculté des Beaux-Arts de Damas et en 1987, il a étudié à Mons, en Belgique, grâce à une bourse du Ministère de l'Enseignement Supérieur. Arts in en 1997. Dahoul a exposé abondamment, notamment aux divers endroits de la galerie Ayyam, à Edge of Arabia, à Londres, à l'Emirates Palace à Abu Dhabi et à l'Institut du Monde Arabe à Paris.
Les toiles de Dahoul sont influencées par ses émotions personnelles et la vie, et en particulier par son expérience du déplacement et de la diaspora et le conflit en Syrie. Ses tableaux évocateurs partagent tous le titre de «rêve», comme une référence à l'état mental onirique qui caractérise sa situation actuelle. En partie hommage à sa défunte épouse, qui devient le conteur dans sa dernière série de travaux présentée à Londres en 2013,
Repetitive Dreams
, ses compositions présentent des nuances subtiles et subtiles de noir, blanc et gris. La palette de couleurs symbolise les perspectives moroses sur la situation en Syrie, ainsi que le sort et la douleur de l'expérience diasporique. Les compositions examinent certains des moments les plus intimes de l'expérience humaine, tels que le sommeil, la camaraderie, la solitude et la mort. L'artiste tisse une variété de références historiques et culturellement significatives, de la perspective égyptienne aux gestes romains et à la calligraphie arabe représentés dans les formes géométriques et les courbes des lignes.
Le travail de Safwan Dahoul peut être trouvé à la galerie Ayyam, Beyrouth, Damas , Dubai, Londres, Jeddah et Edge of Arabia, 40 Elcho Street, Londres SW11 4AU, +44 (0) 20 7350 1336 Safwan Dahoul, Dream 77, 2014, acrylique sur toile, 180 X 200 cm | Avec la permission de la galerie Ayyam Diana El Jeiroudi
Diana El Jeiroudi (née en 1977 à Damas en Syrie) est une cinéaste indépendante, documentariste, artiste et productrice, élevée en Syrie et en Irak. Elle a obtenu un BA en Littérature anglaise de l'Université de Damas et a travaillé dans le marketing et la communication jusqu'en 2002. Elle a co-fondé la seule société de production cinématographique indépendante en Syrie aujourd'hui, ProAction Film, pour la production de documentaires. Elle est également co-fondatrice du Festival international du film documentaire DOX BOX en Syrie, qui travaille en collaboration avec le Festival international du film documentaire d'Amsterdam et le European Documentary Network.
El Jeiroudi a acquis une notoriété internationale avec son travail de court-métrage
The Pot
(2005), qui explore les problèmes entourant la grossesse et réexamine la grossesse en tant que phénomène social. Avec une série de conversations et d'interviews, le court métrage présente de jeunes femmes syriennes partageant leurs expériences sur la façon dont la grossesse affecte leur propre perception et celle de la société en tant qu'individus. L'artiste essaie d'illustrer comment l'identité féminine dans la région arabe tourne autour de la réalisation d'enfants.
Dans son premier documentaire Dolls - Une femme de Damas (2007-2008), El Jeiroudi explore la phénomène de la poupée Fulla, qui représente le rêve de toutes les filles arabes et est la version voilée de la poupée américaine Barbie. Cette dernière a perdu sa popularité dès que Fulla est entrée sur le marché, comme le dit son directeur marketing dans le documentaire: «Elle est arabe, aimante, attentionnée et fait partie de la communauté à laquelle elle a été adressée». La figure maternelle de Manal est présentée en parallèle avec Fulla. Manal est une jeune mère et épouse syrienne qui vit dans un environnement social traditionnel avec des règles conservatrices pour les femmes. El Jeiroudi juxtapose Manal et la poupée comme deux entités avec beaucoup d'éléments communs: elles sont enveloppées dans une écharpe, enfermées dans une boîte en plastique et doivent suivre les attentes des autres. El Jeiroudi tente de révéler une tendance qui utilise l'appropriation commerciale d'un modèle féminin afin de limiter la liberté et de contrôler l'esprit d'une jeune génération à accepter un ensemble de règles sociales et religieuses officiellement approuvées.
Le travail de Diana El Jeiroudi peut être trouvé à ProAction Film, n ° 2 Gamal Al Din Abou Al Mahassen Str. - Garden City, Le Caire, Egypte, +202 279333319 Houmam Al Sayed, Moukaffan, 2014, Encre sur papier, 110 x 80 cm | Avec la permission de la galerie Mark Hachem Houmam Al Sayed
Houmam Al Sayed (né en 1981 à Mesyaf en Syrie) vit et travaille à Beyrouth. Al Sayed a participé à sa première exposition de peinture en 1998 à l'Université de Teshrin à Lattaquié et a beaucoup exposé depuis lors dans le monde arabe. Ses œuvres ont été vendues aux enchères chez Sotheby's Doha et Christie's Dubai.
Al Sayed travaille dans divers médias, dont la peinture, le dessin et la sculpture. Il est particulièrement renommé pour son style de peinture unique et son portrait ludique et presque enfantin de gens ordinaires inspirés par son arrière-plan sculptural. Comme le dit le critique Edward Shalda sur le site de l'artiste, «Houmam peint des inconnus appartenant à une réalité connue». Les portraits d'Al Sayed sont une exploration et une représentation de leur état personnel et psychologique. Les personnages irréels viennent créer une réalité parallèle qui porte le «poids» du présent. Les figures et les visages sont chargés d'une signification symbolique, profondément liée à la situation actuelle en Syrie.
Les portraits, écrasés et comprimés comme sous un lourd fardeau, font référence à une perte d'espoir, tandis que leurs traits confiance dans la possibilité d'un nouveau départ. Souvent, ses sujets montrent seulement un œil regardant droit devant, tandis que l'autre est couvert par un chapeau ou des cheveux. Cet élément est une critique subtile de la manière dont les gens abordent la situation actuelle en Syrie: ils choisissent un côté et une opinion et s'y tiennent, mais sans prendre le temps de réfléchir, de réfléchir et de créer un dialogue pour le changement. Dans son premier spectacle solo De Damas à Beyrouth, Al Sayed évoque ses souvenirs d'enfance dans sa ville natale et sa vie de famille en Syrie.
Le travail de Houmam Al Sayed peut être trouvé à la galerie Mark Hachem, New York, Paris et Beyrouth, + 1 212 585 2900 (New York), +33 (0) 1 42 76 94 93 (Paris) et +961 1
313 (Beyrouth)
Houmam Al Sayed, Nasifah, 2014, huile sur toile, 150 x 400 cm | Avec la permission de Mark Hachem Gallery
Diana Al-Hadid
Diana Al-Hadid (née en 1981 à Alep, en Syrie), basée à Brooklyn, explore sa fascination pour les peintres de la Renaissance. et les aspects formatifs de leur pratique. Dans une interview avec Barbara Pollack pour ArtNews, elle a déclaré: «Je ne suis pas tellement intéressé par le décodage de la mythologie, mais je suis intéressé par le décodage de la structure de la peinture. Peut-être que je suis un peu jaloux de ce que la peinture peut faire avec l'espace. "
Utilisant des polymères, des cires, de la fibre de verre, de l'acier, du plâtre et d'autres matériaux industriels, Al-Hadidcréate des sculptures et des installations qui apparaissent en ruines ou en train de fondre. Un grand nombre de ses œuvres s'articulent autour de l'image, de la forme et du concept de «tour» et de ses diverses associations: pouvoir, richesse, développement technologique et urbain, idées de progrès et globalisme. La tour, en même temps, symbolise les problèmes des différences culturelles. Le contexte social et culturel mixte d'Al-Hadid est apparent dans «Self-Melt» (2008), inspiré par le tableau de 1563 «La Tour de Babel» de Pieter Bruegel l'Ancien. Deux tours en fusion, l'une à l'envers, se rejoignent en haut comme si elles cherchaient à combler leurs différences et pointent vers un point d'origine mythologique, où la diversité et ses conséquences ont déjà été décidées.
Al-Hadid dit: plus que je suis un «architecte», et cet aspect est évident dans ce qu'elle appelle son «architecture impossible», comme illustré dans «All the Stops» (2007), une tour en ruines qui présente un mélange éclectique de l'architecture de Les œuvres de Diana Al-Hadid peuvent être trouvées à la galerie Marianna Boesky, 509 West 24th Street, New York, NY 10011, + 212-680-9889 et à la Galerie Michael Janssen, Berlin et Singapour, +49 (0) 30 259 272 50 (Berlin) et +65 (0) 6734 8948 (Singapour)
