L'Art De Fernando Botero: L'Artiste Le Plus Colombien De Colombie
Fernando Botero | © Roel Wijnants / Wikicommons
Vénéré à la fois dans son pays natal et internationalement, Fernando Botero a reçu des distinctions dont le Premier Prix de Peinture au prestigieux Salon Nacional de Artistas en 1958, âgé de seulement 24 ans. Plus récemment en 2012, il était Le Centre international de sculpture aux États-Unis a décerné le prix Lifetime Achievement in Contemporary Sculpture, qui récompense des contributions significatives au médium. En 2001, la sculpture en bronze Dancers de Botero s'est vendue à plus de 1,7 million de dollars lors d'une vente aux enchères Christie's à New York, un nouveau record pour la sculpture colombienne.
certains dans le monde de l'art contemporain qui sont dédaigneux de son travail, suggérant que sa préférence pour l'art esthétique est trivial et non politique, ou que son respect pour les vieux maîtres de la peinture et son incorporation de leurs techniques est décidément non contemporain. Cependant, ceci peut être une lecture trop simpliste du travail de Botero
Fernando Botero, Donna Sdraiata, Bronze, 60 x 23,5 x 25 cm, Rosenbaum Contemporary, 2007 | Galerie de courtoisie et artiste
Né en 1932 dans la ville de Medellin, en Colombie, Fernando Botero est un artiste figuratif au sens le plus large, renommé pour ses peintures et sculptures de sujets tout en courbes. Il est né comme le deuxième de trois fils, et son père, un voyageur de commerce, est mort quand Botero avait juste quatre ans. Sa mère a ensuite dû travailler comme couturière pour soutenir la famille. Après un passage dans une école de matador, Botero a décidé que l'art était sa véritable vocation et en 1948, à 16 ans, il a eu sa première exposition. Trois ans plus tard, après avoir emménagé dans la capitale colombienne, Bogota, il expose sa première exposition personnelle. Au début des années 1950, Botero parcourt l'Europe en étudiant l'art à la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, à Madrid. les œuvres des vieux maîtres du Louvre. Il a continué à Florence, où il a étudié les fresques de la Renaissance italienne. C'est pendant et après cette période que Botero a commencé à développer son propre style distinctif. Influencé par le portrait naturaliste du maître baroque espagnol Diego Veláquez, le romantisme de Francisco de Goya et les peintures vives et à grande échelle du peintre et peintre mexicain Diego Rivera, l'art de Botero combine le dynamisme, l'audace et les thèmes populaires de l'art latino-américain. hommage à la sensualité de la forme dans l'œuvre des Vieux Maîtres. Ce faisant, Botero a développé un style qui fait à la fois partie d'une tradition artistique et qui lui est propre. Comme l'écrivait Reed Johnson pour le
Los Angeles Times , ses hommes rubénesques, ses paysages en rond et ses vases voluptueux, ses instruments de musique et autres objets inanimés sont si facilement identifiables qu'ils sont pratiquement une marque de commerce. Fernando Botero , Nature morte aux fruits, Huile sur toile, 78,1 x 99,1 cm, Rosenbaum Contemporary, 2003 | Galerie de courtoisie et artiste
Tous les critiques ne sont pas les fans de Botero, beaucoup d'entre eux critiquant son travail comme manque de profondeur et de critique, ou Charmaine Picard pour
Arts in America dit que les œuvres d'art de Botero par des détracteurs comme des caricatures simplistes de formes charnues dans des scènes familiales ensoleillées. Cependant, ces critiques dans le monde de l'art contemporain n'ont jamais posé trop de problème ou de menace à Botero. Il accepte en fait ce rejet, peut-être même en embrasse-t-il, déclarant dans un entretien avec ARTnews que «certaines personnes aiment mon travail, d'autres le détestent. Vous ne pouvez pas être aimé par tout le monde. Il y a eu de l'opposition dans certains endroits. Je représente le contraire de ce qui se passe aujourd'hui dans l'art. " C'est peut-être ce désaccord entre Botero et ses critiques qui explique son importance dans l'art contemporain. Il va à contre-courant de la plupart des artistes travaillant aujourd'hui en utilisant des techniques traditionnelles et a établi son propre style clair, distinct et inébranlable, créant un art avec un sens de permanence, de substance et de sens - quelque chose que Botero manque d'art contemporain. Comme sa fille Lina Botero l'a dit, 'il pense que l'art contemporain est un concours d'extravagances sur qui peut inventer le meilleur truc, mais comme il dit, c'est comme quand on vous dit une blague - la première fois, vous riez, la seconde temps, vous pourriez rire à nouveau, mais la troisième blague est partie parce que vous le savez déjà. Rien de concret ou de technique magistrale ne se fait aujourd'hui et pourtant l'art contemporain est capable de se maintenir et de persister au fil des années. "
C'est peut-être le regard de Botero sur la fonction de l'art qui le distingue de beaucoup d'autres artistes contemporains. Plutôt que de créer des œuvres d'art purement choquantes et provoquant une certaine réaction, Botero cherche à procurer un sentiment de tranquillité et de joie à travers une grande partie de son art - comme le dit l'artiste lui-même - l'art doit être une oasis, un refuge. la dureté de la vie. Ce point de vue n'enlève rien à la capacité de Botero à appliquer son style distinct à un sujet plus sérieux comme il l'a fait lorsqu'il dépeint la violence liée à la drogue dans sa Colombie natale et avec son
Abu Ghraib (2005). Cette série de peintures et de dessins a été inspirée par des rapports d'abus et de tortures dans la prison irakienne d'Abou Ghraib par les forces américaines et a provoqué une indignation considérable, particulièrement aux États-Unis. Fernando Botero, Leda et il Cigno, Bronze, 66,1 x 128,3 x 54,6 cm, Gary Nader Fine Art, 2007 | © Galerie de courtoisie et artiste En effet, c'est lors de la création d'œuvres d'art qui abordent des atrocités comme celle-ci que Botero estime que l'art remplit une fonction vitale et une fonction que d'autres médias ne peuvent imiter. Comme l'a dit Botero à propos de sa série Abu Ghraib: «L'art est important dans le temps. Cela apporte une sorte de réflexion sur le sujet. Nous avons analysé cette chose à partir de pages éditoriales et de livres, mais d'une façon ou d'une autre cette vision d'un artiste complète ce qui s'est passé. Il peut rendre visible ce qui est invisible, ce qui ne peut pas être photographié. Sur une photo, il suffit de cliquer, mais dans l'art, il faut mettre beaucoup d'énergie. Cette concentration d'énergie et d'attention dit quelque chose que les autres médias ne peuvent pas dire.
Botero a peut-être reçu des critiques, mais on ne peut nier son appel. Son art, avec ses couleurs vibrantes et ses sujets voluptueux, a un certain magnétisme et un attrait de «tout-homme» qui n'est ni élitiste ni restrictif. Son fils, Juan Carlos Botero, a dit du travail de son père, «l'une des convictions les plus importantes de Botero est que l'art soit direct dans sa signification: tout le monde devrait être capable de le comprendre. C'est l'un de ses principes les plus forts en tant qu'artiste. Les gens «obtiennent» ses peintures, dessins et sculptures parce que son art est simple. Une tierce partie n'a pas besoin d'explications complémentaires pour déchiffrer, admirer, apprécier ou simplement apprécier l'œuvre, comme cela arrive souvent dans l'art contemporain. »
Fernando Botero, Bodegon con sopa de arvejas, huile sur toile, 183.2 x 193,7 cm, Gary Nader beaux-arts, 1970 | © Gallery & Artist
Peintre et sculpteur de formes voluptueuses, admirateur des maîtres anciens et artiste «everyman», Botero a maintenant 80 ans et est aussi prolifique que jamais. Un créateur avide, il a produit des milliers de peintures et des centaines de sculptures et continuera à captiver avec ses personnes et objets à figures entières. Comme Botero lui-même le dit, «un artiste n'est jamais complet.»
