10 Artistes Contemporains Japonais Qui Révolutionnent L'Art

Le Japon a toujours été l'un des pays l'avant-garde des avancées technologiques. Il n'est donc pas surprenant que les artistes du pays soient également attirés par le potentiel de l'utilisation de la technologie et des connaissances scientifiques pour créer des œuvres hypnotiques qui modifient notre perception de la réalité. Nous vous apportons 10 artistes qui changent le sens de l'art en juxtaposant l'art, le design, la science et la technologie et en jouant avec des illusions pour modifier notre perception du quotidien.

Sachiko Kodama

Ponts Sachiko Kodama (1970) l'art et la science pour créer des œuvres qui expriment les possibilités infinies de la nature et les potentiels de la recherche scientifique. Elle est surtout connue pour ses travaux utilisant le ferrofluide, une suspension colloïdale foncée de nanoparticules magnétiques dispersées dans une solution qui reste fortement magnétique dans son fluide. Kodama construit des «environnements» spéciaux ou des installations qui manipulent des ondes magnétiques pour construire des formes de ferrofluides tridimensionnels complexes. Kodama s'inspire du désir de l'humanité de modifier les matériaux physiques et de les rendre plus flexibles - une manipulation de la nature dans sa forme la plus pure. A travers ses œuvres, contrairement à d'autres artistes qui créent l'illusion en images ou en images, Kodama crée des «objets» qui se transforment comme elle le conçoit. Protrude / Flow (2001) est une installation interactive qui exprime la dynamique de mouvement fluide d'un matériau physique, la dynamique des formes organiques et sauvages et les mouvements de liquide au moyen de contrôle numérique par ordinateur.

Sachiko Kodama, Morpho Towers: Deux spirales debout, 2013 | © Digitalarti / Flickr

Tetsutoshi Tabata

Tetsutoshi Tabata est une artiste d'installation visuelle, qui est profondément impliquée dans la performance de danse et la scénographie projetée. En 1994, il co-fonde 66b / cell, un collectif utilisant l'infographie et l'animation en temps réel et pré-enregistrées pour créer différentes textures, éclairages et effets cinétiques. Actuellement, il développe un système original d'imagerie par projection multiple. Un travail qu'il a développé avec son collectif, Living Lens (Biennale de Kobe, 'Art in Container', 2009) - motivé par le concept d '' espace poétique ressenti '- a été conçu comme un jardin / habitat cycle de temps et comprend des images projetées, des sons et des corps de spectateurs. L'environnement créé intègre une technologie visuelle avancée appelée «Saccade-based Display», qui utilise la fonction de balayage des mouvements oculaires humains (saccades) pour percevoir les réseaux d'images via un système d'affichage à LED. Les visuels dans les projets provenaient d'images de textures végétales, animales et paysagères australiennes, tandis que l'installation intérieure dans le conteneur d'expédition s'inspirait d'éléments de conception de jardin japonais traditionnel.

66b / cell, Living Lens. Visuels: Tetsutoshi Tabata. Danseur: Hirotsugu Saegusa | Courtesy media performance unit 66b / cell

Daito Manabe

Daito Manabe est un compositeur, programmeur informatique, designer, DJ et VJ qui crée des projets innovants dans le domaine de l'art et de la technologie. Ses «performances» explorent les façons dont notre corps interagit avec les progrès de la technologie et propose des hybrides possibles - à la fois existants et à venir - entre l'homme et la machine. Dans ses œuvres, il a expérimenté des capteurs myoélectriques pour transformer les visages des gens en boîtes à rythmes, utilisant des formateurs comme mélangeurs de son et adaptant les LED aux dents. Dans un projet, il a visualisé la musique de FaltyDL en utilisant des mouvements saccadés et électrisés du corps humain. À Sónar 2014, Manabe a présenté un nouveau spectacle interactif combinant vidéo mapping et danse contemporaine. Il utilise ses compétences en musique et en programmation pour créer des scénarios qui changent la perception de la façon dont nos corps interagissent avec les technologies. Par exemple, lors de ses spectacles, il contrôle la musique - en tant que DJ - en utilisant les impulsions électriques de ses muscles faciaux, et il a même équipé ses Nikes de capteurs qui déclenchent et manipulent le son.

Daito Manabe, performance à Sónar, Barcelone, 2014. Photo: Toni Rosado | © scanner FM / Flickr

Ryota Kuwakubo

L'artiste multimédia Ryota Kuwakubo (né en 1971) conçoit et construit ses propres appareils électroniques, qui apparaissent comme des gadgets low-tech, tels que Bitman (1998) , un dispositif d'affichage de film utilisant des pixels réalisés en collaboration avec le collectif Maywa Denki. Kuwakubo travaille avec divers médias, impliquant généralement des éléments numériques ou électroniques, et explore des thèmes centrés autour de la relation entre des sujets contrastés - analogique et numérique, humain et machine, émetteur et récepteur de l'information, entre autres. Son travail engage les spectateurs, en faisant des participants nécessaires dans le résultat final. En 2011, Kuwakubo a créé The Tenth Sentiment , une installation qui utilisait des objets domestiques de tous les jours disposés sur le sol d'une pièce vide. Un train miniature électrique équipé d'une lumière LED manœuvrait le long d'un ensemble de pistes disposées de manière à ce que la lumière brille sur les objets et projette de grandes ombres sur le mur. Ces ombres ont pris la forme de personnes en mouvement, de paysages urbains, de tunnels et de plusieurs autres, créant une installation immersive pour les gens qui se déplacent dans la pièce.

Ryota Kuwakubo, Lost # 2, Ars Electronica 2011. Photo: Florian Voggeneder | © Koki Tanaka

Koki Tanaka observe la vie quotidienne et ses petits détails indifférents et les transforme en événements magiques et fantastiques, arrangés avec un sens de l'humour unique et une analyse piquante qui révèle le étrange et étrange dans notre existence. Au cœur de sa pratique réside une approche collaborative qui implique un sens de la communauté, et souligne l'importance de la participation aux processus de créativité et d'imagination. Ses vidéos capturent des gestes simples, leur redonnant intensité et signification, comme dans

Process of Blowing Flour (2010). Son installation vidéo à huit canaux Tout est tout (2006) voit l'artiste et ses assistants interagir avec une variété d'objets quotidiens, au point de tester et d'étendre leurs propriétés physiques, leur faisant acquérir une nouvelle signification ou fonction. Dans d'autres œuvres, l'action performative est étendue à un groupe plus large de personnes - autres que lui - comme dans son premier travail collaboratif Un Haircut par 9 Hairdressers at Once (deuxième tentative) (2010) dans un salon de coiffure à San Francisco ou dans sa série Tâches précaires telles que S en allumant une lampe de poche pendant que nous marchons la nuit ; En parlant de votre nom en mangeant de la nourriture d'urgence ; > Partager des rêves avec les autres et ensuite faire une histoire collective Koki Tanaka, Tâches précaires # 4 partager des rêves avec les autres, puis faire une histoire collective, 2013 | © Courtoisie de l'artiste, Vitamin Creative Space, Guangzhou et Aoyama Meguro, Tokyo Tokujin Yoshioka

L'artiste et designer primé Tokujin Yoshioka crée des installations immersives qui semblent étendre l'espace à l'infini et embrasser des sensations de paix et de tranquillité. Ses environnements futuristes inspirés par la nature établissent un pont entre l'art, le design, la science et la technologie, pour fournir des expériences sensorielles extrêmes. En 2010, il crée une œuvre intitulée

Snow

- une installation de 15 mètres de long imitant la neige, non seulement visuellement mais aussi dans son mouvement et sa tactilité, à l'exposition Sensing Nature du Mori Art Museum . La neige, représentée par des centaines de kilogrammes de plumes, a été soufflée dans une vitrine géante ressemblant à un aquarium. L'exposition personnelle de Yoshioka Cristalliser au MOT (Musée d'art contemporain de Tokyo) en 2014, présentait une série de travaux inspirés par les processus autogénérés et auto-organisés des phénomènes naturels. Lac des cygnes La peinture était dessinée par la vibration de la musique, tandis que Rose était la sculpture d'une fleur cristallisée. L'installation Rainbow Church a été construite en prismes de cristal et a créé un environnement magique de lumières et d'illusions colorées. Taro Shinoda Avec une formation en jardinage et en horticulture, l'artiste interdisciplinaire Taro Shinoda (b 1964) crée un travail qui découle de sa passion pour la nature et de son intérêt à comprendre l'univers - y compris l'espace cosmique - comme une nature en évolution, dans laquelle la nature coexiste avec les activités humaines. Shinoda explore les thèmes du désir, de la méditation et de l'adaptation, et il puise dans ses connaissances étendues et variées des sciences naturelles, de l'ingénierie, de l'architecture et de l'aménagement paysager. Ses sculptures et ses installations sont constituées de composants hautement technologiques construits à la main, juxtaposés à des éléments du jardin japonais traditionnel - un thème récurrent dans son œuvre. Pour son travail de film

Shinoda a été inspiré par ses souvenirs d'enfance d'essayer de communiquer avec sa mère sur de grandes distances. Il a construit un télescope astronomique en carton ondulé avec une caméra vidéo ci-jointe et a filmé la lune depuis différents endroits du monde, y compris Istanbul, Boston et Tokyo.

Taro Shinoda, modèle de l'oubli, Musée d'Art Mori 2010 | © tomo nosi / Flickr Tatsuo Miyajima Le sculpteur et artiste d'installation Tatsuo Miyajima crée un travail hautement technologique qui utilise des matériaux tels que les circuits électriques, vidéo et ordinateurs, centrés sur l'utilisation de compteurs numériques à diodes électroluminescentes - ou «gadgets» - depuis la fin des années 1980. Les concepts artistiques de base de Miyajima - 'Keep Changing', 'Connect with All' et 'Goes on Forever' - coexistent et s'inspirent des idées humanistes et des enseignements du bouddhisme. Son travail est éclairé par un intérêt pour les idées de continuité, de connexion, d'éternité et de flux de temps et d'espace. En plus de créer des œuvres hypnotisantes avec des lumières scintillantes et des affichages numériques de 1 à 9 à l'infini, Miyajima construit également des installations immersives, comme son palais de vie

(salon de thé)

, 2013. Une chambre couverte de rouge cuir à l'extérieur, accueille un visiteur à la fois dans une constellation caverneuse de chiffres numériques scintillants et de lumières bleues. L'environnement créé au sein de l'œuvre encourage la contemplation et l'isolement - aspects philosophiques qui sont rarement atteints dans la vie métropolitaine frénétique d'aujourd'hui.

Mariko Mori La vision minimaliste et futuriste de Mariko Mori s'exprime dans divers médias, y compris la vidéo, la photographie, les nouveaux médias et l'installation. Son travail encourage une réflexion sur notre relation avec la technologie et les potentiels de notre interaction avec elle. Un thème sous-jacent et récurrent dans son travail est aussi la juxtaposition de la mythologie orientale et de la culture occidentale. Mori explore la frontière entre la réalité et l'utopie, et fournit une synthèse des opposés tels que la réalité et la fantaisie, le sérieux et l'humour, l'homme et la machine, la technologie et la nature, la science et la religion. Dans son célèbre Wave UFO

(1 -2002), qui faisait également partie de la Biennale de Venise en 2005, se trouve une installation interactive futuriste en forme de larme. Trois visiteurs à la fois entrent dans l'espace pour assister à un spectacle de lumière généré par ordinateur de trois minutes basé sur les projections de leurs propres ondes cérébrales, suivi d'une séquence d'animation graphique de trois minutes par Mori.

Riyoji Ikeda Nouveaux médias et l'artiste sonore Ryoji Ikeda crée des installations immersives qui interagissent avec le son dans une variété d'états «bruts» - sons sinusoïdaux et bruit - en utilisant souvent des fréquences à la limite de l'audition humaine. Les sons générés par ordinateur se transforment visuellement en projections vidéo et en motifs numériques. Les installations d'Ikeda, à travers l'utilisation de l'échelle, de la lumière, de l'ombre, du volume, de l'ombre, des sons électroniques et du rythme, fournissent une expérience synthétique. Pour son fameux motif de test [n ° 5]

, il utilise cinq projecteurs pour éclairer un plancher de 8 mètres de large de 28 mètres de long avec des codes à barres et binaires de zéros et de convertis à partir de données, sons, photos et films. Ikeda crée également des performances ponctuelles, comme son concert audiovisuel

datamatics [ver.2.0] . Il examine et applique des méthodes mathématiques et scientifiques pour façonner la musique, le temps et l'espace. Grâce à son travail, Ikeda est capable de révéler les complexités de la perception humaine, en manipulant et en transformant les propriétés physiques du son et de la vision par la technologie numérique. Ryoji Ikeda, modèle de test [n ° 5], 2013, installation audiovisuelle chez Carriageworks . Commandé et présenté par Carriageworks et ISEA2013 en collaboration avec Vivid Sydney. Image Zan Wimberley | © Carriageworks / WikiCommons