10 Artistes Contemporains D'Australie À Connaître
Fiona Hall
L'un des principaux artistes contemporains d'Australie, Fiona Hall (né en 1953) a inclus de nombreuses commandes et projets publics couvrant un large éventail de médias , de la photographie à la sculpture et à l'installation, de plus en plus engagés dans les thèmes de l'écologie, de l'histoire et des effets de la mondialisation. En 2012, Hall a participé à dOCUMENTA (13), présentant une installation intitulée Fall Prey (2012), qui a été montrée plus tard dans sa grande exposition au musée d'art moderne de Heide en 2013.
Fiona Hall, Fall Prey / Shot Through , Californie Condor, 2012 DOCUMENTA (13) | © ACK / Flickrcommons
Juan Davila
Originaire du Chili, Juan Davila (né en 1946 à Santiago) a émigré à Melbourne dans les années 1970, où il a établi une pratique artistique réussie, principalement en tant que peintre, mais aussi en dessin. et installation. La pratique de l'artiste est riche en références à d'autres artistes, à la psychanalyse et à la pornographie, ainsi qu'à la politique, à la religion, à la culture pop et à l'histoire. Qualifié par la National Gallery of Victoria de «protagoniste majeur du développement de la peinture post-conceptuelle», Davila conteste les notions hégémoniques de la masculinité, les discours historiques dominants et les mythes de l'identité nationale.
Juan Davila, The Lamentation: A Votive Painting , 1994, à DOCUMENTA (12) 2007 | © Fulvio / Flickrcommons
Simryn Gill
Né à Singapour, Simryn Gill (né en 1959) travaille dans la sculpture, la photographie, le dessin et l'écriture. L'artiste est un collectionneur systématique, et surtout des livres comme objets de révérence et de dispute. L'œuvre poétiquement critique de Gill modifie les objets et les sites mondains, les rassemblant dans des séries encyclopédiques qui, par la répétition et l'expansion de petits gestes, génèrent des déclarations retentissantes sur une variété de questions concernant notre société et notre culture modernes, ainsi que des références à ses expériences de vie. souvenirs.
Simryn Gill, Scale ou Tasha et l'Arbre, 2005-2014 | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Tracy Williams, Ltd., New York
Bianca Hester
L'artiste multidisciplinaire et collaborative Bianca Hester (1975) s'intéresse à la notion d'espace et à la façon de l'engager, de la rencontrer et de l'occuper. Son travail explore la façon dont l'espace est construit et les rythmes multicouches à l'intérieur et à travers différents sites, tout en générant d'autres rythmes - sous forme de mouvements, de matérialités et d'actions - afin d'ouvrir de nouvelles possibilités pour reconsidérer notre interaction. avec de l'espace. Les œuvres de Hester émergent de conditions spécifiques qui impliquent des altérations, des actions, des constructions, des objets, des collaborations et des vidéos.
Bianca Hester, un monde entièrement accessible à tous, 2011 | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Sarah Scout Presents, Ben Quilty (1973) a remporté le Prudential Eye Award en 2014 pour sa pratique de la peinture, caractérisée par un style distinctif et gestuel et une épaisse couche de peinture. À l'aide de couteaux à palette, il étale, tache, gâteaux et gifle la peinture sur toile pour créer des figures en blocs de couleurs contrastées. L'œuvre de Quilty dépeint l'identité australienne contemporaine et est marquée par sa jeunesse comme un personnage autodestructeur de la masculinité australienne, marqué par la drogue, l'alcool et l'insouciance - images de crânes, de serpents, de jumeaux siamois et d'autres éléments obscurs, sombres et étranges. des toiles. Quilty a également passé quelque temps en 2011 en tant qu'artiste de guerre officiel en Afghanistan, une expérience qui a servi d'inspiration pour certains de ses portraits de soldats, tels que celui de
Sergent P. After Afghanistan
(2012) . La série de portraits Rorschach a été créée en utilisant une technique de peinture particulière qui crée une monographie géométrique de peinture à l'huile en appuyant sur une toile peinte sur un propre. Inspirés par les tests de tache d'encre créés par le psychologue et pionnier de la recherche en santé mentale du 19ème siècle, Hermann Rorschach, les peintures créent un nouveau langage visuel. Ben Quilty, Sergent P. après Afghanistan, 2012, Huile sur toile, Collection: QAGOMA , Queensland | Avec la permission de Jan Murphy Gallery, Queensland James Angus
Inspiré par l'architecture, le design et la nature, James Angus (1970) défie les normes traditionnelles de la sculpture en jouant sur le volume, l'échelle et la surface. Son travail va de modeste à grande échelle et révèle un intérêt pour les matériaux et les procédés. Les œuvres d'Angus reproduisent souvent des formes ou des objets existants, tandis que d'autres manifestent également des distorsions, comme si elles étaient soumises à un stress ou soumises à une force invisible. Ses trois sculptures Red Cast Iron Inversion (2012),
Compression des tuyaux jaunes
(2012) et Orange I-Beam Knot (2012), présentées à la 19e Biennale de Sydney (2014), démonter les supports structuraux du bâtiment de la grille moderniste typique - la poutre en I, le tuyau tubulaire et la plaque métallique. Ces éléments sont transformés en formes sinueuses, sensuelles, nouées et graveleuses, métamorphosant le métal robuste en un matériau souple. James Angus, John Deere Modèle D, 2013 | © Shelley Bernstein / Flickrcommons Patricia Piccinini
L'artiste multimédia Patricia Piccinini (née en 1965) travaille dans la peinture, la vidéo, le son, l'installation, l'impression numérique et la sculpture et commande souvent des collaborateurs spécialisés dans divers domaines industriels contemporains. fabrication. Sa pratique discute l'impact de la technologie sur nos vies, et comment les idées contemporaines de la nature, le naturel et l'artificiel sont en train de changer notre société. Piccinini s'intéresse particulièrement aux problèmes de bio-ingénierie et de reproduction humaine, ainsi qu'à leurs implications éthiques et sociales. Elle est surtout connue pour ses sculptures biomorphiques détaillées de créatures imaginaires. Ces étranges distorsions de la nature offrent une vision visionnaire de ce que pourrait être l'avenir de l'humanité avec des expériences sur la génétique, l'hybridation, le clonage et d'autres scénarios scientifiques.
Les cerfs
(2008), par exemple, représentent deux scooters animaux vivants, synthèse de la nature et de la technologie. Patricia Piccinini, La Jeune Famille, 2005 | Callum Morton (né en 1965) travaille à l'origine sur l'architecture, le modernisme et l'impact émotionnel et social des espaces bâtis, créant des modèles de style architectural à l'aide de compétences en informatique. En prenant des bâtiments familiers et des formes de l'histoire de l'architecture et en les opposant à leurs objectifs originaux, souvent idéalisés, Morton raconte une histoire cachée ou plus sombre. En transformant l'architecture et les espaces, Morton développe la tendance globale de l'esthétique à se conformer à un style international, généralement présent en Europe et en Amérique du Nord, qui influence les pratiques régionales. Les thèmes de la destruction, de la décomposition et de la représentation visuelle sont récurrents dans son œuvre. Par exemple, dans Silverscreen
(2006), ces sujets s'expriment à travers une série de sculptures inspirées de l'écran du cinéma en plein air. Morton évoque également son intérêt pour la diffusion du modernisme occidental et l'influence et la diffusion de ses formes culturelles à travers le monde
Callum Morton, Valhalla, 2007, Australie Pavillon à la Biennale de Venise 2007 | Avec la permission de Anna Schrapz Galerie
Julie Rrap Julie Rrap (1950) était impliquée dans le body and performance art dans les années 1970 - un aspect de sa pratique qui a continué à influencer son travail, passant de la photographie à la sculpture. et vidéo Son œuvre cache une profonde préoccupation quant à la façon dont le corps est représenté, en particulier le corps féminin dans l'art occidental, et explore ce thème à travers une variété de médias qui défient les conventions de forme et de contenu. À travers ses interprétations visuelles des corps transformés, Rrap interroge les symboles communs de la féminité, tels que Sortant
, une sculpture
des pieds d'une femme coupée à la cheville et des talons aiguilles charnus. L'artiste fait ici allusion à la pression que subissent les femmes pour modifier leur corps afin de l'adapter à des normes de beauté impossibles.
Julie Rrap, Loaded: Green # 1, 2012 | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Roslyn Oxley9, Sydney Daniel Crooks Travaillant sur la vidéo numérique, la photographie et l'installation, Daniel Crooks (1973) étire et déforme la réalité comme un moyen de remettre en question notre perception. Ses images complexes et transformées de l'espace et du temps imprègnent la banalité de ses sujets d'une nouvelle dimension. La manipulation du temps par Crooks donne l'impression de traverser sa dimension et ses limites. Dans ses premiers travaux, il a collagé de minces tranches d'images en mouvement pour révéler la progression de la géométrie temporelle réfractaire au temps, et susciter le rythme et le mouvement. Pour l'IPMIC, Crooks travaille sur une commande qui sera exposée à l'ACMI en 2016, qui se consacre à son intérêt de longue date pour l'utilisation des caméras sur les trains et comme une extension de celles-ci dans l'histoire des images en mouvement. En particulier, l'artiste explorera le genre cinématographique des «manèges fantômes», populaires en Grande-Bretagne et aux États-Unis au début des années 1900. Daniel Crooks, statique n ° 12 (cherche l'immobilité en mouvement), 2009-2010 | © Franklin Heijnen / Flickrcommons
