Les 10 Œuvres D'Art Les Plus Influentes Des Années 1920 Et 1930
L'artiste né au Missouri Thomas Hart Benton rend hommage à sa ville adoptive de New York dans cette composition d'huile, offrant une vue plongeante sur Madison Square Park. Reconnu internationalement comme un pionnier du mouvement artistique régionaliste, Benton a étudié l'espace urbain dans
New York, Early Twenties (1920-1924), décrivant des personnages en mouvement qui sont peints comme des figures d'allumettes sombres. Dépassant soigneusement les véhicules stationnaires, ces personnages survivent à la tempête qui se forme au-dessus des imposants gratte-ciels et du drapeau américain. Le climat tumultueux s'installe pendant une période d'agitation personnelle et professionnelle pour Benton en tant que sympathisant de gauche. 'New York, début des années' | © Thomas Hart Benton / WikiCommons
Porte de Menin à minuit (1927)
La représentation de Longstaff du monument commémoratif de guerre de Menin à Ypres (également connu sous le nom
Ghosts de Menin Gate ) fait partie d'une collection à l'Australian War Memorial à Canberra. La composition capture les esprits des soldats marchant à l'unisson à travers un champ de maïs sous un ciel de soirée indigo. Après avoir assisté au dévoilement de la porte de Menin en juillet 1927, Longfield a prétendu avoir eu une apparition des troupes à casque d'acier. L'artiste est rentré à Londres et a terminé son hommage en une seule séance. Les coquelicots rouges au premier plan représentent le sang versé pendant la Première Guerre mondiale et le mémorial de calcaire sur la gauche montre une entrée sombre et sinistre. Les bâtiments sont pointillés sur l'horizon lointain (avec une lumière intermittente) suggérant que la zone est sous surveillance minutieuse. 'Menin Gate at Midnight' | © Willstaff / WikiCommons
Chop Suey (1929)
L'image du réalisme social d'Edward Hopper est composée d'une composition de rectangles géométriques multicolores et représente une scène dans un restaurant chinois. Au premier plan, il y a deux femmes (toutes deux supposées être basées sur l'épouse de Hopper, Josephine) qui semblent avoir une relation ambiguë. Ils se reflètent l'attitude solitaire et distant de l'autre à travers une table lumineuse dans des chapeaux cloche verts et violets. Il n'y a pas d'interaction tactile, et la dame en vert cache ses mains d'une manière défensive sous la table, ce qui suggère un malaise. Les quatre personnages représentés se rencontrent pour un événement social, mais l'ironie réside dans un manque mutuel d'intérêt et de spontanéité, qui fuit à travers leurs expressions faciales détachées. Un homme en arrière-plan qui parle avec une amie semble apprécier sa cigarette plus que son rendez-vous. Hopper capte la solitude de chacun malgré le fait qu'il se trouve dans un espace public ouvert. Un mélange de lumière naturelle et artificielle est vu dans toute la composition; le soleil se reflète sur le tableau directement sur les tables blanches et la femme en vert, lui donnant une pâleur fantomatique.
'Chop Suey' | © Volatile / WikiCommons
Histoire du Mexique (1929-35)
Financée par le gouvernement mexicain, la peinture murale de Diego Rivera a duré six ans et se trouve dans la cage d'escalier du Palais National (
Palacio Nacional ) à Mexico. Diego a présenté un récit au public qui a décrit avec sympathie les Indiens comme la minorité opprimée, brutalisée par les Espagnols. Composées de quatre sections, les plus grandes pièces murales se situent à 70 mètres (229,7 pieds) sur 9 mètres (29,5 pieds). Le mur nord est dédié à une représentation de la culture aztèque, incorporant un soleil symbolique (le centre de la religion aztèque) avec une pyramide et un leader aztèque en dessous. Le Mur de l'Ouest dépeint l'histoire de la guerre, avec Cortes et les armées espagnoles en défaisant les forces opposées des Indiens et des Aztèques. Le Mur Sud représente tout ce que Rivera a aimé et inspiré, du drapeau communiste rouge au socialiste Karl Marx et à l'artiste et épouse Frida Kahlo aux côtés de sa sœur Cristina (l'amante unique de Diego). Les écoliers sont représentés dans la section, symbolisant la paix, l'unité et les progrès futurs de la société. Une partie de «l'histoire du Mexique» | © Diego Rivera / WikiCommons
La persistance de la mémoire (1931)
S'inspirant de Freud et de ses enseignements de la psychanalyse, Salvador Dalí créa ce surréalisme au début des années trente. Une montre fondante mollement pend sur une branche d'arbre au premier plan à gauche, démontrant peut-être que le temps est démesuré. La limace au centre de l'avant-plan est représentative du profil distinctif de Dalí, une silhouette dépassée par le temps, encadrée par des cils insectivores. L'utilisation de marques de fourmis de Dalí sur le visage d'une horloge dans le premier plan à gauche accentue le sens de la décomposition et de la destruction sur le paysage stérile. Dalí intègre les caractéristiques paysagères accidentées de la péninsule du Cap de Creus et du mont Pani de sa Catalogne natale. Présentée à l'origine dans la galerie Julien Levy en 1932,
The Persistence of Memory (1931) a été exposée au Musée d'art moderne de New York depuis 1934. Persistance de la mémoire de Salvador Dalí lithographie est présentée à une exposition à Fort Worth, Texas | © JENNIFER LONG / AP / REX / Shutterstock
Le feu à la pleine lune (1933)
Le feu à la pleine lune
(1933) a été produit par l'artiste germano-suisse Paul Klee pendant une période socio-politique troubles à travers l'Europe par rapport à la succession de Hitler en tant que chancelier allemand. En tant que professeur d'art à l'Académie de Düsseldorf et présumé juif, Klee a souffert de la part de soldats nazis qui ont fouillé sa maison. Il a perdu son emploi et a commencé à souffrir de la sclérodermie, qui allait finalement s'avérer fatale. La composition riche de Feu à la Pleine Lune est construite à travers une tapisserie géométrique cubique de blocs lourds et colorés représentant les vastes champs de campagne. Un grand soleil jaune domine le paysage dynamique dans le coin supérieur gauche. Une croix rouge vif en haut à droite du cadre a le double objectif de représenter la Croix-Rouge tout en se tenant à l'écart comme une «pierre tombale» signifiant la mort. 'Fire at Full Moon', 1933 'Paul Klee: Making Visible ', Tate Modern, Londres, Grande-Bretagne | © Mark Thomas / REX / Shutterstock
La mère migrante (1936)
Le photographe Dorothea Lange a parfaitement saisi l'inquiétude et le désespoir de Florence Owens Thompson, une femme confrontée à un avenir incertain en tant que citoyenne américaine sans abri pendant la Grande Dépression. Florence, alors âgée de 32 ans, était veuve et travailleuse agricole sans ressources. Deux des enfants découragés de Florence pendent de ses épaules, leurs visages obscurcis. Florence regarde à sa droite, consternée par les soucis, les sourcils froncés, serrant son menton. Ce cliché emblématique est l'un des six que Lange a pris pendant son temps dans un camp de pêcheurs à Nipomo Mesa, en Californie.
'Migrant Mother', Dorothea Lange, 1936 | © Granger / REX / Shutterstock
Guernica (1937)
À environ 11 pieds (trois mètres) de haut et 25 pieds (huit mètres) de large,
Guernica (1937) de Pablo Picasso utilise des blocs monochromes de gris, noir et blanc pour refléter le sombre spectre de la mort et de la destruction. Cette composition abstraite rend hommage aux citoyens tués et gravement blessés par les bombes larguées dans la ville de Guernica, au nord de l'Espagne, pendant la Seconde Guerre mondiale. Les animaux terrifiés et les humains ont les yeux écarquillés et la bouche ouverte avec des membres entrelacés dans l'attaque. La douleur et l'angoisse des victimes sont représentées par le tir d'une mère avec un enfant sans vie dans ses bras, criant à l'agonie de sa perte. Un personnage masculin repose sur le sol au premier plan en dessous, ses membres mutilés par des munitions tombées, tenant une épée brisée pour la protection. L'ampoule au premier plan en haut à gauche reflète le soleil «artificiel» au-dessus du paysage obscur rempli de carnage et de destruction. Les coupures de journaux sont imprimées sur les membres d'un cheval terrifié qui a été lacéré avec une lance dans son flanc. Un taureau est pris dans l'effusion de sang, représentant El Toro , l'emblème national non officiel de l'Espagne Une femme regarde «Guernica» de Pablo Picasso | © AP / REX / Shutterstock
The Two Fridas (1939)
L'autoportrait de l'artiste surréaliste Frida Kahlo a été créé en une année de tourmente personnelle; elle avait divorcé de son mari Diego Rivera et avait subi d'autres traumatismes personnels. Les deux Fridas sont conjoints comme des jumeaux, liés ensemble par l'apport de sang au cœur, se tenant par la main. Sur la gauche, on voit une Frida vêtue d'une robe blanche
tehuana (le blanc étant la couleur mexicaine du deuil), couverte de sang par ses tentatives réussies de couper sa lignée avec une paire de ciseaux pinceurs. L'artère principale est coupée, soulignant peut-être son cœur brisé. Elle est soutenue par la meilleure santé de Frida, dont le cœur est plein et dont les vêtements multicolores témoignent de la chaleur et du dynamisme. L'angoisse émotionnelle de Frida est indiquée à l'arrière-plan avec des nuages d'orage qui se dessinent à l'horizon. 'Les deux Fridas (Las dos Fridas)', Frida Kahlo | © Gianni Dagli Orti / REX / Shutterstock
L'Étoile du matin (de Constellations) (1939)
L'artiste catalan Joan Miró a commencé une série de 23 images nommées
Constellations en 1939 dans l'espoir d'explorer sa fascination pour le pouvoir, les constellations et l'univers extérieur en utilisant des cartes astrales (qui ont toutes fourni un soulagement bienvenu de la guerre sur terre). Miró suggère qu'il aimerait prendre la forme d'un oiseau, loin de l'effusion de sang sous le pouvoir de l'Allemagne nazie à travers l'Europe. Formant un puzzle abstrait, de petites tranches de couleurs primaires sont généreusement tissées à travers les coins de la composition. Le fond est doucement coupé avec un arrière-plan rose saumon et bleu clair.
