Top 10 Des Artistes Contemporains Incroyables Des Îles Du Pacifique
Sofia Tekela-Smith
Sofia Tekela-Smith (née en 1970), d'origine mixte écossaise et rotumienne, son enfance sur l'île de Rotuma-Fidji, avant de s'installer en Nouvelle-Zélande. Son art est influencé par son héritage polynésien et les traditions de la parure corporelle. Tekela-Smith a repoussé les limites de la conceptualisation, de la présentation et de la présentation de son travail - bijoux et objets de parure - pour devenir «art» plutôt que «artisanat». Mélodies de leur peau couleur de miel (2003 ) est une série de silhouettes noires, en relief, en fibre de verre, ornées chacune d'une pièce de bijoux de Tekela-Smith.
Inspiré par des objets kitsch représentant des têtes polynésiennes, africaines et autochtones, populaires dans les années 1950 et 1960, le Les silhouettes défient les images stéréotypées des Polynésiens perpétuées par les stratégies touristiques du passé colonial. Les photographies de Brown Eyes Blue (2004) bouleversent également la perception stéréotypée des femmes polynésiennes dans l'imaginaire collectif. Posant difficilement sur un fond noir, les mains, les bras et les lèvres peints en rouge - la couleur de la passion, du danger, de la violence, du sang, du sacré - avec une fleur d'hibiscus rouge dans les cheveux, ils portent un grand nacre sur leur torse nu.
Sofia Tekela-Smith, Nuages minuscules Petites montagnes (détail), 2012, lèvre d'or nacre, pounamu, fil de cire, photographie, miroir, diamètre 37,5 cm | Michel Rangie (né en 1950) s'inspire de son héritage culturel et des traditions spirituelles et sociales de son lieu d'origine, l'île d'Ambrym au Vanuatu. La partie nord de l'île isolée géographiquement conserve encore largement les coutumes tribales et le gouvernement coutumier, le droit et la religion. Une variété d'artefacts sont créés pour accompagner les rituels et les cérémonies, pour marquer les commémorations et une diversité d'événements. L'œuvre de Rangie est directement influencée par ces métiers traditionnels, tels qu'ils sont visibles dans
Mague ne sagran (classement palmier noir) grade 4
(2005), une série d'œuvres inspirées par mague sculptures sculpturales créées pour les cérémonies d'initiation des hommes. La société ambrymese est structurée autour de chefs qui se lèvent à travers une série de grades, et les ascensions sont marquées par des cérémonies et la création de mague . Fait de palmier noir sculpté et peint avec des couleurs synthétiques, les figures totémiques ont chacune leur caractère unique, selon le grade social du chef auquel il est dédié. John Pule Artiste, romancier et poète niuéen John Pule ( 1962) travaille avec la peinture, le dessin, la gravure, la réalisation cinématographique et la performance. Son œuvre s'inspire de la cosmologie et du christianisme niuéens et aborde les questions de la migration et du colonialisme. Tukulagi tukumuitea (Forever and ever) (2005) associe ses récits personnels à tous les sujets susmentionnés. Pule juxtapose l'imagerie du Christ enlevée de la croix avec des personnes en deuil dans un paysage désolé. Les figures androgynes transportent de grands oiseaux, objets et humains de haut en bas, évoquant le mouvement des cultures et des systèmes de croyances. Les pivoines sur la peinture font référence aux importations des missionnaires, y compris les fleurs elles-mêmes, qui sont devenues une partie de la flore locale. Dominé par la couleur rouge - sang et violence - l'œuvre suggère aussi la possibilité de renouveau. Le travail de Pule est directement influencé par son intérêt pour la tradition de hiapo - une tradition d'écorce à main levée de Niue. Datant du milieu du XIXe siècle, le hiapo mêle les cultures occidentales et niéennes, avec une fusion de décor et d'imagerie aussi divers que l'occidental, le traditionnel, la langue, la numérologie, la marine et la botanique. .
John Pule, The Disagreement, 2014, huiles, émaux, encres, bâton d'huile, polyuréthane sur toile, 200 x 200 cm | Avec l'aimable autorisation de Gow Langsford Gallery
Sima Urale Sima Urale (née en 1968) est la première réalisatrice de Samoa. En tant que conteuse visuelle contemporaine, elle conserve la tradition samoane de la narration orale ou fagogo . Son travail est influencé à la fois par son héritage samoan et son expérience du passage à l'urbanisation Aotearoa - le nom maori pour la Nouvelle-Zélande. Son court-métrage primé O Tamaiti (1996) 'The Children', a été tourné à Samoan, avec un son minimal, et a été tourné en noir et blanc pour éviter les stéréotypes kitsch des Samoans. L'histoire d'un jeune garçon forcé de jouer dans des circonstances dévastatrices a valu au Lion d'argent du meilleur court métrage du Festival international du film de Venise en 1996. Le second court-métrage d'Urale, Still Life
(2001), Pākehā - le nom maori pour les néo-zélandais du couple patrimonial européen - est devenu le premier court métrage néo-zélandais à remporter le Prix du meilleur court métrage au Festival de Montréal et le prix spécial de reconnaissance au Festival du film de Locarno en Suisse. Sima Urale, Samoa / Nouvelle-Zélande b.1969, O Tamaiti, 1996, Kapa Haka (Whero), 2003, film 35mm et formats Betacam SP: 15 minutes, noir et blanc, stéréo. Acheté en 2004. Queensland Art Gallery Foundation Bourse / Collection: Queensland Art Gallery | © L'artiste
Aline Amaru
Tahitienne Aline Amaru (née en 1941) est une innovatrice de la tradition du textile-couette tifaifai de Tahiti. Habituellement décoré de motifs floraux ou abstraits, tifaifai est présent en Polynésie depuis le début du 19 ème siècle, probablement associé à l'introduction de la broderie par les épouses des missionnaires. La vision d'Amaru sur la tradition tifaifai incorpore ses modèles de signature avec ses propres récits, tels que des représentations de scènes historiques. La Famille Pomare (1991) présente une scène illustrant les cinq générations de la famille royale de Pomare à Tahiti - la dernière monarchie régnante avant la colonisation française en 1880. Les personnages sont représentés par ordre chronologique et reflètent l'héritage de la royauté à Tahiti. . Le travail d'Amaru combine l'appliqué surélevé avec une broderie complexe à la main, la technique de couture moins connue
nana'o
avec le point
paumotu qu'elle a appris de sa mère. Le tifaifai a maintenant aussi remplacé l'écorce traditionnelle et est un objet cérémoniel important passé à travers les familles et les générations comme des héritages. Aline Amaru, Tahiti b.1941, La Famille Pomare (tifaifai) (Pa'oti style), 1991, tissu de coton commercial et fil en applique et technique brodée, 237,8 x 229 cm. Acheté en 2004. Queensland Art Gallery Fondation / Collection: Queensland Art Gallery Kalisolaite 'Uhila L'artiste tongien Kalisolaite' Uhila fait référence à diverses histoires et ascendances, ainsi qu'au quotidien et à la multiplicité de l'être. Sa pratique de la performance s'inspire des notions d'être et des héritages historiques de l'art euro-américain à partir des années 1960. Son approche expérimentale manifeste des idées en métaphores qui déterminent une manière d'être, et aborde sa culture native en adoptant des processus culturels et des histoires dans son langage de performance. Pigs In The Yard (2011) voit l'artiste partager un conteneur d'expédition avec un cochon. Alors qu'Uhila tente de cohabiter avec le cochon, il explore l'importance de l'animal pour sa culture originaire des Tonga et les préoccupations coloniales des îles du Pacifique. Dans Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana (2015), 'Uhila conduit la mer sur Oriental Bay à Wellington pendant six heures, pendant cinq jours consécutifs, de la marée basse à la marée haute. L'artiste s'inspire de l'oraison et de la chorégraphie tonganes ainsi que de sa lignée familiale de marins tongans en portant ngatu et si feuilles. La performance fait aussi référence à l'océan comme quelque chose qui unit les gens plutôt que de les diviser, et qui fusionne le passé, le présent, le personnel et le global.
Kalisolaïte 'Uhila, Ongo Mei Moana. Ongo Mei Moana, 2015, performance en direct au Performance Arcade 2015, Wellington Waterfront, Nouvelle-Zélande | Avec la permission de l'artiste
Itiri Ngaro
, l'artiste des îles Cook, Itiri Ngaro (1973), est passé des arts de la scène à l'image en mouvement. Ses œuvres sont influencées par ses antécédents en musique, théâtre, chant et danse. La pratique de Ngaro est autoréflexive, dépeignant une réalité urbaine qui se confond avec un héritage de l'île Cook. Bien que ses œuvres vidéo soient empreintes du symbolisme du Pacifique, l'artiste croit que les idées qu'il véhicule sont communes et universelles à notre existence. Te Oki'anga ou Te Vaerua (Le retour de l'âme) (2007) aborde poétiquement les questions d'identité culturelle. Les dessins de sable se transforment en souvenirs d'un homme essayant d'échapper à quelque chose, ou peut-être lui-même. Sur les sereines plages de la côte Ouest, un homme interprète des mouvements de danse contemporaine et traditionnelle, emmenant le public dans un voyage des moments tourmentés jusqu'au retour de l'âme. Ko Tao ka ka (The Shifting Shadows) (2008 ) intègre les domaines physique, spirituel et mental à travers des techniques visuelles expérimentales. Des forces opposées sont en jeu: les silhouettes projetées agissent sur des problèmes sociaux tels que l'abus physique et l'alcool, tandis que d'autres représentent des ancêtres angéliques. Maile Andrade L'artiste multimédia Maile Andrade fusionne le contemporain et le traditionnel. vision du monde. Utilisant un large éventail de médias ainsi que des techniques innovantes mêlées à l'artisanat traditionnel, Andrade estime que l'art est un puissant moyen de représenter le parcours de sa vie et que sa pratique est profondément enracinée dans l'héritage hawaïen. Andrade explore et questionne l'utilisation et la perpétuation des stéréotypes vus à travers de nombreuses lentilles, et comment l'ethnographie et l'anthropologie ont détourné les pratiques culturelles, la cosmologie et la spiritualité. L'artiste se réapproprie le droit d'identifier elle-même - et ses propres gens - les notions difficiles de la native hawaïenne stéréotypée. Kahuli (2011) est une installation de
lauhala
paniers et verre fusionné fait référence à la notion de
I Keia Manawa- de nos jours, où les autochtones hawaïens se tiennent fermement, le dos tourné vers l'avenir et le regard tourné vers le passé. Andrade s'engage avec la tension de ce temps et de l'espace, et la distorsion des faits sociaux, culturels, politiques et historiques comme si les événements ne se produisaient jamais comme on s'en souvient. Cette agitation est en constante évolution, car elle change, modifie et bouleverse les gens, les lieux et les situations. Maile Andrade, Ka Huli, 2013, installation murale avec des paniers de lauhala | Avec l'aimable autorisation de l'artiste Paula Schaafhausen L'artiste samoane Paula Schaafhausen fait référence à son patrimoine culturel à travers la réappropriation d'images, de matériaux, de techniques et de récits visuels pour aborder des problèmes mondiaux. Dans son projet
Ebbing Tagaloa
, l'artiste met en lumière les problèmes de réchauffement de la planète, en particulier en ce qui concerne l'océan Pacifique et ses îles. En raison de l'élévation du niveau de la mer, de nombreuses îles basses d'Océanie sont confrontées à de sévères transformations, telles que des niveaux de salinité plus élevés dans le sol et des côtes en retrait, pour n'en citer que quelques-unes. Dans la mythologie samoane, Tagaloa est le souverain suprême et traditionnellement le dieu de l'océan, qui a fait les îles, le ciel et les mers. Schaafhausen fait référence au dieu dans ses figurines moulées faites d'huile de coco, de koko Samoa et de sable. L'huile et le koko sont des matériaux d'usage quotidien au Samoa, tandis que le sable fait référence à la terre et aux mers qui unissent les habitants de l'Océanie. Les statuettes sont placées sur des plateaux faits sur mesure représentant les cinq principales îles des Kiribati, qui sont l'une des îles basses du Pacifique menacées. Pendant l'exposition, les figurines s'effondrent et se dissolvent avec les changements de température et d'atmosphère. Un des groupes de personnages de Tagaloa de Paula Schaafhausen à l'exposition 'Ebbing Tagaloa' à w: fr: Enjoy Galerie d'art publique | © Stuartyeates / WikiCommons Fatu Feu'u Samoan Fatu Feu'u (né en 1946) est avant tout un peintre, mais il expérimente également un large éventail de médiums, dont la sculpture en bronze, en bois et en pierre, la poterie, lithographies, gravures sur bois et verre. Son inspiration vient des formes artistiques polynésiennes telles que le siapo (tapa), le tatau (tatouage), le tissage, la sculpture et la fabrication de masques cérémoniels. La pratique de Feu'u est profondément enracinée dans le concept de fa'asamoa- «la voie samoane» qui incarne des conventions culturelles qui lient les réseaux familiaux aux coutumes et aux cérémonies traditionnelles. Ses œuvres mêlent des influences de son héritage autochtone et de celles des cultures euro-américaines. Les œuvres de Feu'u présentent des motifs et motifs traditionnels du Pacifique, issus de la sculpture, de la tapa et du tatouage. Incorporant le symbolisme antique dans les médias contemporains, il cherche à maintenir une continuité visuelle pour la culture samoane à Aotearoa / Nouvelle-Zélande. L'art de Feu'u fonctionne comme va'aomanu
- les vases de la connaissance - qui contiennent des évocations de mémoire, de migration et de réconciliation. Son travail communique des récits de traditions oratoires samoanes, qui ont transmis des allégories et des légendes de génération en génération.
Fatu Feu'u, Diamant dans le ciel, 2012, techniques mixtes sur toile, 154 x 285 cm | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Warwick Henderson Gallery, Auckland, Nouvelle-Zélande
