10 Choses À Savoir Sur Mark Rothko
Rothko croyait fermement en l'importance de l'expérience personnelle des individus pour ses peintures. Dans sa vision, le spectateur serait entraîné dans une relation profonde et méditative face à la toile, un état de vulnérabilité émotionnelle et de réceptivité totale, analogue à l'état émotionnel de Rothko alors qu'il peignait la toile dans son atelier.
Mark Rothko in son atelier, 1964, cibachrome | © Hans Namuth / Gracieuseté de la National Portrait Gallery, États-Unis
Le maître de la couleur n'était pas «intéressé par la couleur»
Depuis sa mort prématurée, le pionnier du mouvement Colour Field de Rothko a été décrit par plusieurs critiques comme indiscutable et révolutionnaire. Pour le peintre lui-même, la couleur n'était qu'un véhicule vers une réaction émotionnelle évoquée chez le spectateur, rayée de tout sous-courant esthétique ou décoratif. Dans une déclaration célèbre qui incarne sa pratique artistique, Rothko a déclaré: «Si vous êtes seulement ému par les relations de couleur, vous manquez le point."
Rudy Burckhardt (1914-1 ), Mark Rothko, New York, 1960, gélatine -silver impression | Gracieuseté de Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (doué par Seymour H. Knox Jr.)
S'abstenir d'appeler ses peintures "belles"
Avoir ses peintures servir un but décoratif était sans doute la plus grande peur de Rothko en tant qu'artiste. Chaque fois qu'il en vendait un en privé, il a d'abord étudié la réaction de l'acheteur à la toile afin d'évaluer si le nouveau propriétaire utiliserait la peinture comme un accessoire, ou une pièce maîtresse. Bien qu'il y ait une beauté indiscutable dans les imposantes œuvres hypnotisantes de Rothko, sa manière prescrite de les regarder est de vider votre esprit de toute considération esthétique et de les percevoir comme bougeant, à la fois littéralement et figurativement.
Mark Rothko, Sans titre, 1955, huile sur toile | Courtoisie Gemeentemuseum den Haag
Les premiers travaux de Rothko sont figuratifs
Ses premières œuvres sont résolument figuratives, loin des vastes œuvres abstraites dont il est devenu connu. Des scènes de métro, des interprétations de mythes anciens, des études de figures semi-humaines et des scènes pastorales se combinent dans un mélange éclectique de sujets apparemment sans rapport, avant de devenir des abstractions floues dans la prochaine étape du développement de Rothko. Le seul lien entre ceux-ci et ses œuvres ultérieures est le penchant visible du peintre pour les verticales verticales, les corps étendus vers le haut, et les colonnes omniprésentes anticipent toutes les œuvres matures de Rothko.
Mark Rothko, Untitled, 1947, huile sur toile | Courtoisie Gemeentemuseum den Haag
Le noir n'est jamais vraiment noir
Plus précisément, le noir utilisé par Rothko est un plan multidimensionnel de teinte sombre, généralement placé sur ou à côté d'un ton différent qui imprègne le reste de la peinture avec une coloration très subtile. Même dans les œuvres tardives, typiquement sombres, la couche de noir est ponctuée par des éclairs de couleur semi-apparents, luttant pour l'air au-delà de l'impression initiale.
Mark Rothko, Untitled, 1953, techniques mixtes sur toile | Gemeentemuseum den Haag
Les tableaux de Rothko sont parmi les plus chers jamais vendus
Les
Orange, Rouge, Jaune (1961) de Rothko figurent parmi les cinq tableaux d'après-guerre les plus chers jamais vendus aux enchères . Il a atteint 86,9 millions de dollars lors d'une vente aux enchères Christie's New York en 2012, battant le record précédent de l'artiste avec White Center (Jaune, Rose et Lavender on Rose) , acheté pour 72,8 millions de dollars chez Sotheby's en 2007. Pour mettre ceci en contexte, les Iris de Van Gogh (1889) se sont vendus 53,9 millions de dollars en 1987. L'argent n'a jamais été une attraction pour Rothko
Malgré les records de prix ses peintures dans l'art d'aujourd'hui, la prospérité et la renommée n'ont jamais été parmi les priorités de Rothko. La commission Seagram en est un exemple spectaculaire: en juin 1958, Rothko a accepté une commande des propriétaires du nouveau restaurant Four Seasons à New York pour produire une série de peintures murales pour l'intérieur et pour compléter la distribution des étoiles. dans le design du restaurant, avec Mies van der Rohe et Philip Johnson.
Après avoir d'abord accepté ce qui aurait été sa mission la plus lucrative, Rothko rompit brusquement le contrat, sans trop d'explications. On pense qu'il pensait que le projet compromettrait son intégrité en tant qu'artiste et rendrait ses peintures purement décoratives dans un cadre luxueux.
The Seagram Murals | Au cours des dernières années de sa carrière, dans les années 1960, les peintures de Rothko ont commencé à virer vers l'obscurité, un changement complet de son premier foyer sur des toiles vibrantes où la couleur a apparemment pris centre de la scène. Des gris et des noirs proches ont commencé à dominer sa palette dans ce que beaucoup voient maintenant comme un présage de son suicide dans l'hiver de 1970. Étonnamment, son travail final est une composition hurlante de sang rouge.
Mark Rothko, No. 7 , 1964, techniques mixtes sur toile | Courtoisie Gemeentemuseum den Haag
Mondrian et Rothko ont plus de choses en commun que vous ne le pensez
Il existe une relation réelle et tangible entre Piet Mondrian et Mark Rothko. Leurs œuvres partagent une intensité émotionnelle, un fond de sentiment brut dicté par l'utilisation de la forme et la couleur, la structure et la cohérence qui les définit tous les deux. La juxtaposition du Gemeentemuseum de La Haye de leurs œuvres finales -
Untitled
(1970) de Rothko et
Victoire Boogie Woogie de Mondrian (1944) - dans une exposition 2014/15, était à la fois inattendue et parfaite. vital. Piet Mondrian, Victoire Boogie Woogie, 1944 & Mark Rothko, Sans titre, 1970 | © Gerrit Schrreurs / Avec l'aimable autorisation du Gemeentemuseum den Haag
