10 Femmes Artistes Contemporaines De L'Inde À Savoir
Shilpa Gupta
Examinant un éventail de thèmes allant de la culture de consommation au désir, à la sécurité, à la religion, au nationalisme et aux droits de l'homme, les pratiques interdisciplinaires de Shilpa Gupta utilisent la vidéo interactive, la photographie, l'installation et la performance, en s'appuyant souvent sur la participation du public. Fonctionnant comme un jeu vidéo interactif, sa série de projections vidéo intitulée Shadow (1, 2 et 3) incorpore les ombres simulées des spectateurs capturées par une caméra en direct. Les ombres sont projetées sur l'écran blanc et interagissent avec d'autres ombres créées par des objets, des poupées, des maisons, des oiseaux et d'autres figures dansant, sautant et marchant. Gupta fait partie d'une jeune génération d'artistes indiens dont le travail répond aux divisions sociétales postcoloniales du pays. Elle brouille souvent, redessine et efface les frontières géopolitiques, comme dans 100 Hand-drawn Maps of India (2007-2008), composée de cartes dessinées à la main par des spectateurs de mémoire, ou elle Untitled oeuvre dépeignant un drapeau jaune de bande de police lisant, "il n'y a aucune frontière ici."
Bharti Kher
le stick-on, ready-made bindi - un décor de front indien traditionnel - est central à la pratique de Bharti Kher, et invite des significations ambivalentes, oscillant entre tradition et modernité. Kher se nourrit de la création d'art représentant des interprétations erronées, des idées fausses, des conflits, de la multiplicité et de la contradiction, explorant le drame humain et la vie contemporaine. Le bindi apparaît dans ses peintures ainsi que dans ses installations sculpturales, remettant en question le rôle des femmes dans un pays traditionnel, et faisant référence à sa signification spirituelle traditionnelle du «troisième œil». Son record La peau parle un langage pas propre (2006) dépeint un éléphant en fibre de verre mort ou mourant couvert de bindis brillant . Son travail engage en outre des contes allégoriques, des créatures fantastiques, bêtes magiques, et monstres mystiques, comme on le voit dans d'autres pièces animales telles que Misdemeanors Une absence d'une cause assignable (2007) est une réplique grandeur nature du cœur de une baleine bleue, basée sur l'imagination de l'artiste, souligne l'idée romantique d'un «grand cœur» et les mystères qui lient le cœur aux concepts d'amour, de vie et de mort.
Bharti Kher - Une absence de cause assignable | © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Avec le papier comme principal média et un vocabulaire minimaliste, Zarina Hashmi crée des œuvres abstraites qui résonnent avec ses expériences de vie d'exil et de dépossession et le concept de maison - que ce soit est personnel, géographique, national, spirituel ou familial. Son œuvre contemplative et poétique comprend des gravures sur bois, des gravures, des dessins et des moulages à base de pâte à papier. Ses lignes artisanales et calligraphiques constituent un élément fédérateur dans ses compositions. La langue est essentielle pour l'artiste. Letters from Home (2004) présente une série d'estampes basées sur des lettres de sa sœur Rani, qui vit au Pakistan. Dans une interview vidéo de Tate, Zarina raconte comment la réception de ces lettres l'a aidée à préserver son identité. L'Urdu manuscrite est recouverte de cartes et de plans de maisons et de lieux éloignés, marquant l'ombre de moments significatifs et d'impressions d'endroits pertinents pour la vie de sa famille.
Nalini Malani
Le concept de frontière transcendée est au cœur de Nalini La pratique de Malani, qui s'inspire de la littérature, de la mythologie, de l'histoire et de la vie personnelle pour créer de l'art avec pertinence à travers les cultures. Du dessin à la peinture, en passant par l'animation projetée, le théâtre d'ombres, la vidéo et le film, l'artiste juxtapose la tradition avec des éléments modernistes pour aborder les questions pressantes de la société contemporaine. Sa famille a été affectée par la partition de 1947 - un thème qui est cher à Malani, comme on le voit dans En souvenir de Toba Tek Singh (1998) , , une vidéo inspirée de la courte histoire du même titre de Sadat Hasan Manto. Malani utilise le symbolisme de la mort de Bishen Singh - un patient mental qui, refusant de se déplacer en Inde pendant la Partition, meurt dans le no man's land entre les deux frontières. Malani, alors, explore les effets de Partition sur la vie des gens et elle étend cette exploration à l'effet des essais nucléaires à Pokhran, au Rajasthan. L'intérêt de Malani pour Cassandra réside dans sa conviction que chacun de nous a des idées et des instincts. Son exposition 2014 intitulée Le cadeau de Cassandra à la Vadehra Art Gallery portait sur la possibilité que l'humanité anticipe les événements du futur et «écoute» vraiment ce qui se passe autour d'elle.
Rina Banerjee
de la substance, du tissu et de la texture, associés à l'expérience de vivre dans des communautés d'endroits mixtes culturels / raciaux constituent la base des œuvres multimédia poétiques de Rina Banerjee. Elle définit son œuvre comme une exploration de «moments coloniaux spécifiques qui réinventent la place et l'identité en tant qu'expériences diasporiques complexes entremêlées et parfois surréalistes». Banerjee crée des assemblages colorés de textiles, d'articles de mode, d'objets coloniaux, d'ameublement, de taxidermie et de matériaux organiques, provenant de bric-à-brac de New York et reconfigurés en objets imprégnés d'une nouvelle signification. Les matériaux inhabituels incluent des alligators taxidermied, des lits en bois, des os de poisson, des oeufs d'autruche, des plumes et des meubles antiques. Alors que l'hybridité de ses œuvres reflète son univers cosmopolite, le langage visuel qu'elle crée est enraciné dans la mythologie et les contes de fées. Emmenez-moi, Emmenez-moi ... au Palais de l'Amour (2003) est une installation exposé au Musée Guimet à Paris en 2011. Articulant un discours sur ses origines et la vision occidental-orientaliste de l'Orient, il comprenait un pavillon en plastique rose réalisé en forme de Taj Mahal pour évoquer une vue de l'Inde à travers la rose
Dayanita Singh
Réalisant des récits curieux de la vie quotidienne à travers le médium photographique, Dayanita Singh donne une expression visuelle à un paysage qui juxtapose l'imagination de l'artiste avec le monde réel. Ses photographies en noir et blanc sont présentées dans une installation intitulée Museum, ainsi que dans son support favori: le livre. Le papier a une signification particulière pour Singh. L'artiste dépeint tout le monde, de la classe supérieure à la périphérie de la société, en donnant une vision large de l'Inde contemporaine. Mona Ahmed est une figure récurrente dans son travail; depuis sa première rencontre en 1989 sur une commande pour le London Times - un eunuque vivant dans un cimetière à Old Delhi, un double rejet rejeté par sa famille et par la communauté eunuque. La représentation de Mona par Singh est une exploration de ceux qui ont des identités fragmentées et un manque de sentiment d'appartenance, ce qui est le sujet du livre Myself Mona Ahmed . La Maison de l'amour de Singh brouille la frontière entre le livre de la photographie et la fiction littéraire, avec des images accompagnées de poésie et de prose qui racontent neuf nouvelles. Les «musées» portatifs, tels que le Musée du Fichier (2013) ou le Musée du Chance (2014), sont de grandes structures en bois pouvant être disposées en différentes configurations, à 140 photographies. Cette «photo-architecture», comme l'appelle Singh, lui permet d'afficher, d'éditer et d'archiver des images à l'infini.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat incorpore souvent plus d'un médium en une seule œuvre. L'œuvre de Kallat aborde les cycles sans fin de la nature et la fragilité de la condition humaine, reflétant les changements constants entre la naissance, la mort et la renaissance; la construction et l'effondrement, la défaite et la résurgence. Elle travaille fréquemment avec des noms officiellement enregistrés ou enregistrés - des personnes, des objets ou des monuments qui ont été perdus ou ont disparu sans laisser de trace. Un motif récurrent dans sa pratique est le tampon, un symbole de contrôle et de l'appareil bureaucratique - un «état sans visage» qui obscurcit et confirme les identités. Kallat utilise des tampons en caoutchouc depuis 2003, investissant ses œuvres avec ironie. Dans Falling Fables, elle a utilisé des timbres avec les adresses des monuments disparus protégés par l'Archeological Survey of India, créant des formes de ruines architecturales, attirant l'attention sur l'état d'effondrement et de fracture de la mémoire collective en Inde et dans le monde aujourd'hui. En 2013, elle a créé Untitled (Cobweb / Crossings) , une toile d'araignée sur la façade du musée Bhau Daji Lad à Mumbai. Sa création comprenait une tonne de tampons en caoutchouc portant les anciens noms des rues entourant le musée et mettant en évidence les histoires perdues. Kallat a déjà utilisé le motif du web pour aborder les questions de migration et ceux qui le contrôlent. Dans 'Untitled (Map / Drawing)', une carte complexe du monde faite avec des fils et des raccords électriques retrace les voies migratoires souvent cachées des travailleurs.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Détail | © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
A travers la photographie et l'installation sculpturale, Hema Upadhyay aborde les notions d'identité personnelle, d'appartenance, de dislocation, de nostalgie et de genre, reflétant l'état actuel de Mumbai - une métropole multiculturelle des mouvements migratoires. Une œuvre autobiographique récurrente comprend des images d'elle-même, comme si elle cherchait sa propre place dans la ville, à laquelle elle a été obligée de migrer avec sa famille pendant la partition. Dans sa première exposition personnelle, Sweet Sweat Memories (2001), elle présente des œuvres qui parlent de sentiments d'aliénation et de perte.
Sheela Gowda
Incorporant la sculpture, l'art de l'installation et la photographie mettant en vedette l'Inde urbaine et rurale, Sheela Gowda crée des œuvres qui illustrent les perspectives aériennes et subalternes de Mumbai. en utilisant des matériaux de tous les jours, y compris des objets et des matériaux trouvés et recyclés comme la bouse de vache, le curcuma, l'encens, les cheveux humains, la feuille d'or, les colorants cérémoniels et les matériaux domestiques tels que fibres de coco, aiguilles, fils et cordon. La pratique de Gowda s'appuie fortement sur son processus, qui brouille les frontières entre l'art et l'artisanat, et interroge le rôle de la subjectivité féminine dans le contexte de la religion, du nationalisme et de la violence qui constitue l'Inde contemporaine. (2001) ont utilisé plus de 100 mètres de fil enroulé teint avec du kumkum rouge , suspendu et drapé à travers l'espace pour former un dessin tridimensionnel. Le travail fait référence à la culture indienne des épices et à l'industrie textile - traditionnellement une expérience vécue par une femme - pour souligner la souffrance de la vie domestique féminine dans une société patriarcale. Pushpamala N Par la photographie, la performance et l'art vidéo critique le stéréotype socioculturel féminin indien et la classification réductrice de la documentation ethnographique. Formé en tant que sculpteur, Pushpamala s'est tourné vers la photographie et l'art de la performance dans les années 1990 pour explorer son intérêt pour les récits. Utilisant des éléments de culture et de tradition populaires, elle examine les notions de lieu, de genre et d'histoire. Son exposition phare, Excavations, présentait des assemblages de documents et de documents mis au rebut qui tentaient de considérer l'histoire contemporaine comme un site archéologique. Les «photo-romances» de Pushpamala la voient comme le sujet dans divers rôles, avec des images empruntées à la culture populaire, à la mythologie et aux références historiques, explorant avec humour les complexités de la société contemporaine et de la vie urbaine en Inde. Des histoires de fantômes aux romances sentimentales en passant par les portraits ethnographiques, Pushpamala interroge les notions de féminité, de nation, d'indigène, de richesse versus pauvreté et de villes imaginées.
Pushpamala N. | © Shiv Ahuja / WikiCommons
