10 Artistes Contemporains Japonais À Connaître
Chiho Aoshima
La société de production artistique Kaikai Kiki et le mouvement Superflat (tous deux fondés par le légendaire artiste japonais Takashi Murakami), Chiho Aoshima est surtout connue pour ses créatures pop et ses paysages fantastiques. Un autodidacte qui a commencé à travailler avec l'art graphique dans l'usine de Murakami, Aoshima crée des paysages de rêve surréalistes habités par des fantômes, des démons, des jeunes femmes et des éléments de la nature. Son travail est généralement à grande échelle et imprimé sur du papier avec des matériaux tels que le cuir et le plastique, pour la texture. En 2006, Aoshima a produit City Glow, Mountain Whisper (2006) à la station Gloucester Road à Londres dans le cadre de Art on the Underground, où 17 arcs successifs ont créé un paysage magique qui s'est graduellement transformé du jour au soir. urbain à rural. L'œuvre dépeint le monde utopique d'Aoshima dans lequel le temps est suspendu et les créatures organiques ne font qu'un avec des choses autrement inanimées.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota est une artiste de performance et d'installation qui crée des installations visuelles à grande échelle. Au centre de sa pratique, il y a les thèmes de la mémoire et de l'oubli, les rêves et la réalité, le passé et le présent, et la confrontation de l'angoisse. Ses œuvres les plus célèbres sont des toiles impénétrables de fil noir qui renferment une variété d'objets ménagers, personnels et quotidiens, tels que de vieilles chaises, un piano brûlé, une robe de mariée et parfois l'artiste elle-même. Labyrinth of Memory (2012) comprend une série de robes englouties par le fil noir omniprésent présent dans tant de ses œuvres. Ces robes sont conçues comme une «seconde peau», à la fois pour mouler et contracter le corps. L'omniprésence du fil noir vise à décrire et à imposer cette relation exacte. À l'été 2014, Shiota a installé Perspectives (2004), réalisé avec plus de 300 chaussures données accompagnées de notes manuscrites de chaque donateur, confiant un souvenir personnel. Shiota a ensuite relié les chaussures avec une corde de fil rouge, chacune suspendue au même crochet. Shiota a représenté le Japon à la 56e Biennale de Venise en 2015 et sa première exposition à Blain Southern, Berlin, qui a ouvert ses portes lors de la Berlin Art Week en 2016, a fait sensation.
Perspectives: Chiharu Shiota | © Amanjeev / Flickr
Ei Arakawa
Ei Arakawa est inspiré par des états de changement, des périodes d'instabilité, des accidents heureux et des éléments de risque. Ses performances et installations impliquent des thèmes de collectivité, d'amitié, de simultanéité et d'improvisation. Le travail d'Arakawa est presque toujours collaboratif, et s'engage avec l'élément artistique du spectacle social - de la production à la destruction. Sa sensibilité artistique est influencée par une condition performative, indéterminée, «partout, mais nulle part». Son travail surgit dans des endroits inattendus au niveau international, se multipliant grâce à des processus collaboratifs. En 2013, son travail a été exposé dans la «Kamikaze Loggia» (pavillon géorgien) à la Biennale de Venise, et dans une étude sur l'art contemporain japonais intitulée Roppongi Crossing au Mori Art Museum. Son installation Hawaiian Presence (2014) était un projet collaboratif avec l'artiste new-yorkaise Carissa Rodriguez pour la biennale Whitney 2014. À la Frieze London en 2014, Arakawa et son frère Tomoo - travaillant en duo sous le nom de 'United Brothers' - ont présenté un spectacle intitulé Est-ce que cette soupe a un goût ambivalent? dans laquelle ils offraient de la soupe aux visiteurs, réputé fabriqué avec les racines daikon «radioactives» de Fukushima.
Koki Tanaka
Artiste de l'année 2015 de la Deutsche Bank, l'approche visuelle de Koki Tanaka explore la communauté et une expérience partagée de créativité et d'imagination, encourageant l'échange entre les participants tout en défendant de nouvelles règles de collaboration. Son installation au Pavillon du Japon à la Biennale de Venise 2013 consistait en une vidéo avec des objets transformant le Pavillon en une plateforme de partage artistique. Les vidéos et les installations de Tanaka explorent la relation entre les objets et les actions, enregistrant des gestes simples effectués avec des objets du quotidien tels qu'un couteau coupant des légumes, de la bière versée dans un verre et l'ouverture d'un parapluie. Rien de grandeur ne se passe dans ces vidéos, pourtant la répétition compulsive et l'attention aux moindres détails obligent le spectateur à apprécier le monde.
Mariko Mori
Mariko Mori crée des œuvres multimédia dans la vidéo, la photographie, les nouveaux médias et l'installation. Elle exprime une vision minimaliste et futuriste à travers des formes lisses et surréalistes. Un thème récurrent dans le travail de Mori est la juxtaposition de la mythologie orientale avec la culture occidentale, comme on le voit dans ses images à couches numériques. Mori a pris de l'importance avec Wave UFO , qui a débuté au Kunsthaus Bregenz, Autriche en 2003. Par la suite, cette pièce a voyagé à New York et a été plus tard inclus dans la Biennale de Venise 2005. En 2010, Mori a fondé la Fondation Faou, une organisation éducative et culturelle à but non lucratif à travers laquelle elle a dédié une série de ses propres installations d'art permanentes, harmonieuses et spécifiques au site, pour honorer les six continents habitables. Plus récemment, une installation permanente de la Fondation Faou intitulée Ring: One with Nature a été installée au-dessus d'une cascade pittoresque à Visconde Mauá à Resende, non loin de Rio de Janeiro.
Mariko Mori, 'Infinite Energy' , 2013. Travailler avec le soutien de Espace Louis Vuitton Tokyo | © Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda Ryoji Ikeda est un nouvel artiste des médias et du son dont le travail utilise principalement le son dans une variété d'états «bruts» - des sons sinusoïdaux au bruit - en utilisant des fréquences à la limite de la gamme auditive humaine. Ses performances et ses installations immersives comprennent des sons générés par ordinateur qui se transforment visuellement en projections vidéo ou en motifs numériques. L'œuvre audiovisuelle d'Ikeda utilise l'échelle, la lumière, l'ombre, le volume, l'ombre, les sons électroniques et le rythme pour inonder les sens. Le fameux modèle de test
d'Ikeda [n ° 5] comprend cinq projecteurs qui éclairent un espace de 28 mètres de long et de 8 mètres de large. L'installation convertit les données (texte, sons, photos et films) en codes à barres et binaires de zéros et de uns. L'œuvre d'Ikeda comprend également des performances d'une nuit, telles que datamatics [ver.2.0] , une version mise à jour d'un concert audiovisuel qu'il a présenté dans plusieurs lieux du monde depuis 2006, à partir de Zero1, San Jose, Californie, pour ISEA 2006. Ikeda examine et applique des méthodes mathématiques et scientifiques pour façonner la musique, le temps et l'espace, créant des expériences hypnotisantes. Il explore le son et la vision, déconstruisant leurs propriétés physiques pour révéler les relations complexes impliquées dans la perception humaine. En fin de compte, Ikeda teste les potentiels extrêmes de la technologie numérique, défiant les seuils de perception. Takashi Murakami
Takashi Murakami est l'un des artistes contemporains les plus emblématiques du Japon. Des peintures aux sculptures à grande échelle en passant par les collaborations de mode, le travail de Murakami est influencé par le manga et l'anime. Fondateur du mouvement Superflat et du collectif d'artistes Kaikai Kiki, Murakami a développé et soutenu les carrières de beaucoup de ses contemporains. Le terme «superflat» décrit à la fois les caractéristiques esthétiques de la tradition artistique japonaise et la nature de la culture et de la société japonaise d'après-guerre. La tradition a laissé un héritage d'images plates et bidimensionnelles, en mettant l'accent sur les plans plats de couleur, qui ont été ré-élaborés dans la culture contemporaine à travers le manga et l'anime. Le Japon d'après-guerre a également connu un «aplatissement» des différences de classe sociale et de goût populaire. La propre pratique de Murakami consiste à reconditionner des éléments habituellement considérés comme «bas» ou sous-culturels et à les présenter dans les «grands» marchés de l'art de la mode et de l'art. Son provocateur
Mon Lonesome Cowboy (1998) s'est vendu à Sotheby's New York pour un montant record de 15,2 millions de dollars en 2008. En plus de ses œuvres, Murakami a collaboré avec Marc Jacobs, Louis Vuitton et Issey Miyake. Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima est un sculpteur et un artiste d'installation dont les œuvres hautement technologiques emploient des matériaux contemporains tels que les circuits électriques, la vidéo et les ordinateurs, centrés sur l'utilisation des gadgets depuis les années 1980. Les concepts artistiques fondamentaux de Miyajima s'inspirent des idées humanistes et des enseignements bouddhistes. Les compteurs de LED dans ses installations clignotent continuellement en répétition de 1 à 9, symbolisant le voyage de la vie à la mort, mais évitant la finalité, qui est représentée par 0 et n'apparaît jamais dans son travail. Ses chiffres toujours présents, présentés dans des grilles, des tours et des circuits expriment son intérêt pour les idées de continuité, de connexion, d'éternité et de flux de temps et d'espace. Plus récemment, l'œuvre de Miyajima intitulée
La flèche du temps (vie inachevée) a été présentée dans l'exposition inaugurale de Met Breuer, Unfinished: Thoughts Left Visible à New York. 藍色 地平線| © Yayoi Kusama
Yayoi Kusama a exploré les domaines de la peinture, du dessin, du collage, de la sculpture, de la performance, du cinéma, de l'estampe, de l'installation et de l'art environnemental, avec une carrière étonnante de sept décennies. ainsi que la littérature, la mode et la conception de produits. Kusama a développé un style d'art à pois très distinctif, qui est depuis devenu sa marque de commerce. De telles visions illusoires sont, pour Kusama, le produit des hallucinations qu'elle a connues depuis l'enfance, dans lesquelles le monde semble être couvert de formes proliférantes. Kusama a couvert des pièces entières avec des points colorés et des miroirs «infinis» qui reflètent sans cesse des formes lumineuses colorées.
Yayoi Kusama, Conséquences de l'éternité [Vue d'installation], 2009 | Yoshitomo Nara crée des peintures, des sculptures et des dessins représentant ses enfants et ses chiens aux yeux larges, sujets qui tentent de capter un sentiment d'ennui et de frustration semblable à celui d'un enfant, et de reprendre indépendance féroce naturelle aux enfants. Réminiscence des illustrations de livres traditionnels, son esthétique présente une tension agitée, en partie influencée par l'amour de Nara pour le punk rock. Les titres de ses œuvres en témoignent, de
La fille au couteau dans son camp
(1991) à
Violence silencieuse
(1998), Névrose à l'os (1 ), et Il n'y a rien (2000). En 2011, l'Asia Society Museum de New York a tenu sa première grande exposition solo intitulée Yoshitomo Nara: le poisson de tous les jours , qui comprend les travaux de l'artiste pendant ses 20 ans de carrière. Les œuvres exposées étaient intimement liées aux sensibilités des sous-cultures des jeunes dans le monde entier, se concentrant sur les thèmes de l'aliénation et de la rébellion, en particulier par rapport au rock et au punk. Roi Pup - Yoshitomo Nara + graf | © sprklg / Flickr
