10 Artistes Philippins Contemporains À Connaître
En 2011, Ronald Ventura a battu le record de la peinture sud-asiatique la plus rentable de Sotheby's Hong Kong lors de son travail sur le graphite, l'huile et l'acrylique intitulé
Grayground vendu pour 1,1 million de dollars. Les peintures et les sculptures de Ventura présentent de multiples couches d'images et de styles, symboles de l'identité nationale aux multiples facettes des Philippines - un pays qui, à travers l'histoire, a été colonisé par les États-Unis, l'Espagne et le Japon. Le travail de Ventura incarne la complexité de la culture postcoloniale par la juxtaposition de motifs orientaux et occidentaux; culture haute et basse; tradition et progrès; passé et présent. Alfredo et Isabel Aquilizan
Le duo de mari et femme Alfredo et Isabel Aquilizan ont émigré en Australie en 2006 - un événement qui est devenu partie intégrante de leurs pratiques artistiques. Leur travail parle de la communauté, de l'expérience personnelle, de la mémoire et du déplacement, ainsi que des effets émotionnels et psychologiques de la migration. Les Aquiliziens utilisent souvent des objets culturellement significatifs comme des métaphores de «l'expérience vécue». En 2006, ils ont exposé
Project Belonging: In Transit à la Biennale de Sydney; Fabriqué avec des boîtes traditionnelles balikbayan utilisées par les Philippins pour expédier leurs affaires à travers le monde, l'installation a évoqué le voyage du couple en Australie. Ce travail a évolué en Project Another Country: Adresse (2008), constitué du contenu de 140 boîtes balikbayan , chacune soigneusement emballée et organisée avec des objets personnels. Les Aquilizains ont depuis produit plusieurs œuvres impliquant la communauté locale, employant des matériaux donnés et créant des installations complexes à partir d'objets importants. Mark Salvatus
Les thèmes de l'urbanisme et de la politique quotidienne sont au centre de l'artiste multidisciplinaire Mark Salvatus. sert également de co-fondateur des groupes locaux d'art de rue Pilipinas Street Plan et 98B Collaboratory. S'inspirant de son paysage urbain, de sa culture populaire et des médias, Salvatus dépeint l'expérience contemporaine, à la fois dans ses Philippines natales et dans les lieux où il voyage. Salvatus relie des points communs interculturels, tels que représentés dans
Haiku (2013) - une projection vidéo de graffitis que l'artiste a photographiés lors de ses voyages au Japon, à New York, en Australie et en Indonésie. La vidéo relie des personnes et des cultures par ailleurs sans lien de parenté pour créer un dialogue global. En 2014, l'artiste a présenté Latitudes au Centre culturel des Philippines - une série de trois œuvres traitant de questions socio-politiques entourant les ressources de la terre, de l'air et de l'eau. Gary-Ross Pastrana
Les objets familiers sont déconstruits au-delà de la reconnaissance dans les œuvres conceptuelles de Gary-Ross Pastrana au point qu'ils héritent d'une forme, d'une signification et d'une fonction nouvelles. Pastrana s'intéresse aux conséquences de la transformation de la physicalité d'un objet, observant comment ses connotations sont ensuite changées
Set Fire to Free (2002) explore si un objet peut conserver sa 'chose-chose' s'il est brisé. Pastrana a détruit une échelle, brûlant une partie des restes et créant un oiseau de ses cendres. Pour Two Rings (2008), l'artiste a fondu deux anneaux de sa mère et les a façonnés en un objet semblable à une épée pour déterminer si cette transformation physique altérerait la sentimentalité ou la valeur de la matière. Pastrana a conclu que la valeur monétaire ne serait pas perdue, mais de façon plus significative, leur valeur sentimentale augmente à mesure que les propriétés des anneaux fusionnent. Pastrana reconfigure la réalité pour révéler la vérité d'un objet. Gary-Ross Pastrana, Untitled (Horizon), 2014. Collage. | Image reproduite avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Silverlens
José Santos III
José Santos III a longtemps remis en question les perceptions du «quotidien». Dans ses premières œuvres, Santos peint des scènes hyper réalistes
trompe l'œil et des compositions surréalistes et oniriques. L'artiste multimédia a développé un style cryptique, laissant son travail ouvert à l'interprétation. Il continue d'explorer une fascination pour les objets dans le but de découvrir leur histoire, obscurcissant simultanément la perception du familier par le spectateur. Dans ²hide (2014), et exposition à Pearl Lam Galleries, Santos expose un nouvel ensemble d'objets usuels imprégnés de nouvelles significations. Les objets non détectés sont souvent placés sous le feu des projecteurs, repositionnés pour créer une nouvelle expérience. Santos évoque une nouvelle appréciation pour le caché, nous montrant à quel point nous prenons les objets pour acquis dans la vie quotidienne. Costantino Zicarelli
Costantino Zicarelli est un «musicien raté» et graffeur autoproclamé dont les œuvres reflètent le histoire du drone metal, du black metal et de tout ce qui est rock n 'roll. Ses œuvres et ses expositions sont souvent inspirées par des paroles de chansons, comme son spectacle de 2013 à Silverlens intitulé
blanc comme la lune, aussi blanc que l'os, aussi sombre que le serpent, aussi sombre que le trône . Explorant le «côté obscur» de la culture pop, les dessins gris graphite de Zicarelli révèlent des images de crânes, de forêts sombres, de cadenas enchevêtrés, de boules disco, de guitares fracassées, de rock stars mortes et d'emblèmes de tatouages. L'artiste explique que sa pratique est moins sur le fait d'être un groupie, et plus sur la présentation d'un côté moins chaotique de l'industrie. Son exposition de 2014 The Dust of Men s'inspire du travail et de l'esthétique de l'iconique 2001 de Stanley Kubrick: l'Odyssée de l'espace Des images du sacrifice à la décadence. humanité Costantino Zicarelli, «Jusqu'à la lumière nous prend VI», 2013. Graphite sur papier. | Image
Norberto Roldan
Fondateur de Black Artists in Asia - un groupe philippin axé sur la pratique artistique socialement et politiquement progressiste - et des projets d'art de la papaye verte, Norberto Roldan aborde les questions sociales, politiques et et des problèmes culturels. Son assemblage de textes, d'images et d'objets trouvés considère l'expérience vécue de la vie quotidienne aux Philippines, à côté de l'histoire complexe du pays et de la mémoire collective. Roldan met un accent particulier sur les objets historiques et leur capacité à conserver leur signification une fois qu'ils sont jetés et oubliés, questionnant si un objet est intrinsèquement sentimental ou exclusivement doté de sens. Son assemblage intitulé
À la recherche du temps perdu 1/2/3/4 (2010) a été inspiré par l'appartement de Hitler à Berlin, qui était supposément incongru avec la nature du dictateur mégalomaniaque. Le travail remet en question la façon dont les objets reflètent ce que nous sommes Le début de l'histoire et les stratégies fatales (2011) a été inspiré par l'essai de Jean Baudrillard La fin de l'histoire et du sens , Le philosophe affirme que la mondialisation a précipité la dissolution de l'histoire et l'effondrement du progrès. Chaque œuvre est une collection de vieux objets exposés dans des armoires, rappelant un passé qui est fabriqué par une tentative de créer un sens de l'ordre à partir de souvenirs oubliés. Norberto Roldan, «Sacré est le nouveau profane 1», (diptyque), 2010. Assemblage avec des objets trouvés. 24 x 48 pouces. | Image reproduite avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Lightbombs Contemporary
Louie Cordero
Les œuvres multimédia richement ornées et souvent grotesques de Louie Cordero fusionnent les traditions indigènes, le catholicisme espagnol et la culture pop américaine pour exprimer une longue histoire de tension. Ses compositions aux couleurs vives s'inspirent de l'esthétique des films d'horreur b-movie, de la musique heavy metal, des bandes dessinées, du folklore et de la vie de rue, abordant des questions liées au passé colonial de l'artiste et à son éducation catholique. À la Biennale de Singapour 2011, Cordero a présenté une installation multimédia dérangeante intitulée
My We , inspiré par les récents meurtres de personnes innocentes qui chantaient My Way de Frank Sinatra dans des bars des Philippines. L'installation a présenté une multitude de figures en fibre de verre poignardées sur tout le corps avec des parties du corps brisées. En arrière-plan, une installation vidéo projetait la chanson fatale de Sinatra pour créer une étrange recréation des événements macabres. Rodel Tapaya
S'inspirant des thèmes de la mémoire et de l'histoire, Rodel Tapaya tisse la réalité contemporaine avec des récits folkloriques. par les contes populaires et l'histoire pré-coloniale.
La canne de Kabunian, numérotée mais ne peut être comptée (2010) lui a valu le Prix d'art Signature 2011. La peinture exposée à la 10e Biennale de Gwangju en 2014 et maintenant conservée dans la collection Tiroche De Leon présente des images du folklore philippin, fusionnant plusieurs récits et diverses références allégoriques, de la figure canine centrale aux mythes d'origine et autres créatures. Tapaya met en garde contre la cupidité de l'humanité et la destruction de l'environnement. Dans la même veine, Mountain Fantasies (2012) commente les dangers de la surexploitation minière et l'importance de la préservation de la nature. La peinture tire son influence des légendes philippines telles que la belle déesse de la forêt Maria Makiling qui protège les bois, et les esprits qui cultivent les semis où les vieux arbres sont morts. Le travail de Tapaya sert à critiquer la course de l'humanité au progrès au détriment du monde qui nous entoure. Martha Atienza
Née d'une mère hollandaise et d'un père philippin, Martha Atienza a déménagé entre les Philippines et les Pays-Bas. la vie et ses origines mixtes se reflètent dans son travail vidéo. Quelque part entre l'imagination et la compréhension, son travail est une étude sociologique de son environnement. Atienza s'intéresse à l'étude du potentiel de l'art contemporain en tant qu'instrument de changement social. Avec Rodel Tapaya, elle était parmi les finalistes du Prix Sovereign Asian Art 2013/2014, où elle a présenté son travail
heures interminables en mer . L'installation vidéo rend hommage à l'histoire des voyages océaniques, inspirée par le passé de son père en tant que capitaine de la marine. Avec une vidéo émouvante de la mer réfractée à travers un verre d'eau et accompagnée par le bruit de l'océan, cet ouvrage capte l'illusion des eaux mouvantes et suggère une sensation d'hallucination provoquée par l'isolement d'une vie en mer.
