10 Oeuvres Par Leonardo Da Vinci À Savoir
Mona Lisa
La Mona Lisa est sans doute la plus connue peinture de tous les temps. Peinte entre 1503 et 1506 à Florence, aujourd'hui La Gioconda a trouvé sa demeure au Musée du Louvre à Paris. Le titre du tableau provient de la biographie de Léonard de l'historien de l'art de la Renaissance, Giorgio Vasari, publiée 31 ans après la mort de l'artiste. Il est largement accepté parmi les érudits que le portrait est de Lisa del Giocondo, un membre d'une riche famille florentine. En 1911, la Joconde a été volée au Louvre, créant une intrigue mondiale et augmentant considérablement son profil public. Le voleur a été découvert deux ans plus tard - Vincenzo Peruggia avait ramené la Joconde en Italie, où il a été salué comme un patriote pour l'avoir ramenée à la maison.
Mona Lisa | © WikiCommons
La Dernière Cène
Appelée 'Il Cenacolo' en Italie, La Cène est une peinture murale montrant le dernier repas de Jésus avec ses disciples que Léonard peint au réfectoire du Couvent du Père Noël Maria delle Grazie à Milan. Dans la scène, Jésus a annoncé que l'un de ses disciples le trahirait. Leonardo dépeint habilement la réaction spécifique de chaque homme comme ils réagissent aux nouvelles concernant. Plutôt que de peindre sur du plâtre humide, le médium traditionnel de la plupart des fresques, l'artiste a choisi le mur sec comme moyen d'obtenir plus de détails dans le travail. Malheureusement, La dernière Cène a subi des dommages importants au cours des années en raison de facteurs environnementaux et d'attentats à la bombe pendant la Seconde Guerre mondiale. Il reste néanmoins l'un des tableaux les plus étudiés et les plus scrutés de l'histoire de l'art.
La Cène | © Platonides / WikiCommons
Vitruvian Man
L'une des œuvres les plus reconnaissables de Léonard de Vinci est un dessin à la plume et à l'encre sur papier. Le dessin est nommé d'après l'architecte romain Vitruve parce qu'il est accompagné par des notes basées sur son travail l'homme de Vitruve est une étude des proportions du corps humain, dans lequel Leonardo a combiné une lecture étroite de l'antique de Vitruve texte sur la géométrie avec ses propres observations de corps humains réels. Le dessin a été utilisé comme un exemple de la symétrie du corps humain. L'image révèle également la croyance de Léonard selon laquelle les rouages du corps humain reflètent le fonctionnement de l'univers.
Homme de Vitruve | © Luc Viatour / WikiCommons
Portrait d'un homme à la sanguine / Autoportrait
Ce dessin énigmatique de Léonard est largement accepté comme une représentation de l'homme de la Renaissance lui-même. On pense que le portrait à la sanguine fut achevé vers 1510, alors que Léonard avait environ 60 ans. Il a souvent été observé que le sujet semble être beaucoup plus âgé que cela, bien que, grâce à ses longs cheveux, la barbe qui coule et les lignes profondes des sourcils qui confèrent une certaine sagacité. C'était la manière traditionnelle de représenter les philosophes, les prophètes et même Dieu dans l'art. Il ne fait guère de doute que c'est le travail de Léonard de Vinci, car les lignes extrêmement fines et la haute qualité de l'ombrage obtenue par l'éclosion sont caractéristiques du dessin pour gaucher de l'artiste.
Autoportrait | © WikiCommons
La dame à l'hermine
La dame à l'hermine, terminée vers 1490, est l'un des quatre portraits de femmes peints par Léonard. Actuellement exposée au château royal de Wawel à Cracovie, en Pologne, la peinture à l'huile est un portrait de la jeune Cecilia Gallerani, la maîtresse du patron de Leonardo, Luduvico Sforza, duc de Milan. Gallerani porte une robe relativement simple, révélant qu'elle ne vient pas d'une famille noble. L'importance de l'hermine à robe blanche, semblable à celle d'une belette, a été longuement discutée. Il est possible que l'animal représente la pureté, car on croyait qu'une hermine ne souillerait jamais sa robe blanche en aucune circonstance.
Dame avec une hermine | © WikiCommons
Ginvera de 'Benci
Un autre des portraits féminins rares de Leonardo est de l'aristocrate florentin du XVe siècle Ginevra de' Benci. Un point culminant de la collection à la National Gallery of Art à Washington DC, c'est la seule peinture par Leonardo sur la vue publique dans les Amériques. La belle Ginevra est particulièrement austère dans ce travail - elle ne montre aucun soupçon de sourire, comme celui qui est évident sur le visage de la Mona Lisa . Un genévrier en arrière-plan symbolise la chasteté et est un calembour sur son nom; le mot italien étant ginepro . Le cadre extérieur était rare car, à l'époque, les femmes étaient généralement représentées à l'intérieur de la maison.
Ginvera de 'Benci | © Google Institut culturel / WikiCommons
St. Jean-Baptiste
Cru être le dernier tableau de Léonard, St. Jean-Baptiste a été peint entre 1513 et 1516, lorsque la Haute Renaissance était en transition vers le maniérisme. Dans ce travail, Léonard représente saint Jean d'une manière ludique, une représentation atypique de l'homme habituellement considéré comme un personnage fougueux. Ici, il a de longs cheveux bouclés, il est habillé de peaux et a un sourire énigmatique semblable à celui de la Joconde. Le doigt pointé de saint Jean s'étend vers les cieux, suggérant la signification du salut par le baptême. Ce geste apparaît aussi dans d'autres œuvres de Léonard.
Saint Jean-Baptiste | © WikiCommons
La Vierge des Roches
Deux versions presque identiques de La Vierge des Roches existent, l'une au Louvre à Paris, l'autre à la National Gallery de Londres. Les deux sont plus de six pieds de haut et représentent la Madone et Jésus comme un enfant, avec l'enfant John the Baptist et un ange. La peinture logée au Louvre est considérée comme la version principale, ce qui signifie qu'elle est la plus ancienne des deux. Il est considéré comme un exemple de la technique de peinture de Leonardo sfumato sans créer de lignes ou de frontières évidentes. Les figures sont disposées en forme de triangle et de geste l'un vers l'autre, ce qui contribue à la qualité narrative de l'œuvre.
Virgin of the Rocks (Louvre) | © Art Resource / WikiCommons
La Vierge et l'Enfant avec Ste Anne
Dans ce tableau achevé vers 1503, Léonard représente Sainte Anne, sa fille la Vierge Marie et l'enfant Jésus, qui se débat avec un agneau sacrificiel. La composition dynamique montre clairement que Marie tend la main vers l'enfant Jésus. En même temps, elle s'assoit sur les genoux de Sainte Anne, emboîtant les trois personnages ensemble. Semblable à la technique utilisée dans La Vierge des Roches , Léonard définit une scène religieuse dans un paysage fantastique. Le fond montagneux communique son intérêt pour la géologie et est un thème récurrent dans la plupart de ses œuvres d'art.
Vierge à l'Enfant avec Sainte Anne | © WikiCommons
Adoration des Mages
Une œuvre inachevée, l ' Adoration des Mages fut commandée en 1480 par les moines Augustins de San Donato A Scopeto près de Florence. Notable est l'existence de nombreux croquis et dessins qui ont été réalisés en préparation pour cette peinture, plus que toute autre œuvre d'art réalisée par Leonardo. La scène comprend une myriade de personnes dans différentes poses entourant la Vierge et l'Enfant Jésus. Dans le fond, il y a un palais en ruine et des hommes à cheval engagés dans une bataille sauvage. Bien qu'il n'ait jamais dépassé les niveaux de l'encre brune et de l'ocre jaune, l ' Adoration des Mages est une œuvre importante révélant des indices sur ce qui allait arriver dans la vie de Léonard. Il n'avait alors qu'une vingtaine d'années et était sur le point de rompre avec son maître, Andrea del Verocchio.
Adoration des Mages | © Google Art Project / WikiCommons
