Les 10 Meilleurs Photographes Australiens Que Vous Devriez Connaître
Justine Khamara (née en 1971) étudie et défie les limites de la photographie moyen, réinterprétant le portrait photographique et interrogeant les notions contemporaines de l'être. Ses œuvres sculpturales et de collage tridimensionnelles offrent une manipulation de la réalité qui aborde les notions de représentation de soi dans une ère de technologies de (re) production instantanée, sans cesse génératrice. Son travail emploie des photographies tranchées et des images d'un seul sujet capturé sous de multiples angles.
Bal de Erysicthon (2010) a été inspiré par le mythe grec d'Erysicthon, roi de Thessalie, pour questionner la vanité des sociétés modernes. dans l'activité généralisée et auto-absorbée de prendre de multiples images de soi et de les afficher à travers divers médias sociaux - essayant ainsi de contrôler la représentation personnelle et de perpétuer les phénomènes de vanité. Dans plusieurs de ses œuvres, Khamara utilise des images d'elle-même et de sa famille ou de ses amis, ce qui lui permet de travailler intimement avec ses sujets de portrait. Dans Watch me feuilletez ces feuilles minces (2011), une feuille de tissu imprimée avec des images d'elle-même et de sa mère est combinée avec un miroir, pour attirer l'attention sur la possibilité pour les individus de vivre plusieurs aspects d'eux-mêmes. tour de spin, 2013, impression UV, contreplaqué découpé au laser, 50 x 50 x 50 cm. Photographe: John Brash | Image avec l'aimable autorisation de l'artiste Bill Henson
Bill Henson (né en 1955) utilise une période particulière de la journée pour capturer des images de paysages et de jeunes adolescents qui créent une sorte de «mythologie moderne». Les conditions d'éclairage du crépuscule et les techniques de sous-exposition et d'ajustements d'impression permettent à Henson d'obtenir des contrastes d'ombre et de clair-obscur légers qui s'apparentent à des natures mortes des maîtres flamands. Son œuvre évoque une atmosphère de transcendance et d'événements surnaturels, explorant le thème récurrent de la dualité. Ses sujets sont représentés dans l'obscurité et la faible lumière, ne regardant jamais directement l'objectif, en partie caché pour créer une aura de mystère et d'existence bacchanale. Les tableaux picturaux et scéniques de Henson perpétuent la tradition de la littérature et de l'art romantiques et le concept du Sublime, dans lequel la grandeur de la Nature provoque les sensations contradictoires d'étonnement, de terreur et de crainte. Brouillant les lignes entre la réalité et l'inconscient, Henson transporte le spectateur dans une dimension parallèle se cachant derrière d'épais voiles de ténèbres et richement chargé de références à notre passé. Pour l'artiste, les paysages sont des éléments forts de nos souvenirs, et son intérêt à les capturer dans des images
memento mori
qui ont le pouvoir de transporter le spectateur dans un monde intemporel. Bill Henson, Untitled 1 / 2000, CB / JPC SH97 N11, impression pigmentaire jet d'encre d'archives, 180 x 127 cm | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Tolarno Galleries, Melbourne Tracey Moffatt Cinéaste, vidéaste et photographe, Tracey Moffatt (1960) crée des œuvres qui suscitent la réflexion sur des questions telles que la race, les traumatismes de l'enfance et les médias. Subjugation des autochtones, domination maternelle, stéréotypes de genre et division des classes. Les œuvres produites dans les années 1980 comprennent Some Lads
(1986), une série de photographies en noir et blanc qu'elle a montrées à côté de la photographie en couleur
.L'Étoile du film
(1985). Dans Disappointed Dreams (1989), Moffatt présente un récit riche et fragmenté avec des images suggestives de violence, de glamour et de rêves déçus. Son intérêt pour les relations de pouvoir est évident dans Scarred for Life (1994), un ensemble de lithographies juxtaposant des photographies et du texte, imitant la mise en page et le format de vieilles pages de magazines. La série dépeint l'enfance et l'adolescence comme des moments saturés de violence, de négligence et de troubles psychologiques. En 1998, Moffatt expérimente un nouveau média, créant Laudanum , une série de photogravures - ou des gravures photographiques - qui mettent l'accent sur la relation entre une femme et son serviteur autochtone. Son récent travail, «Spirit Landscapes» (2013), présenté à QAGOMA en 2015, comprend cinq nouvelles séries photographiques et un film, explorant la spiritualité, la mémoire dans le paysage et le surnaturel, et offrant une méditation sur l'importance de la terre et placer à travers des histoires personnelles et universelles. Tracey Moffatt, Adventure Series 6, 2004, impression couleur sur papier Fujiflex, 132 × 114 cm, édition de 25 | Courtoisie de l'artiste et de la galerie Roslyn Oxley9, Sydney Patrick Pound Au centre de la pratique de Patrick Pound (né en 1962) se trouve un intérêt pour les notions de collection et d'archive, qui lui permettent de créer une sorte de «cartographie de la culture humaine». Tenant une vision du monde qui l'assimile à un puzzle, l'artiste tente de reconnecter ses pièces une par une en accumulant minutieusement, en catégorisant et en classant les photographies trouvées et les éphémères. La pratique de Pound vise à atteindre une compréhension inaccessible à travers la collection infinie. Ses collages et assemblages d'images trouvées et d'objets mis au rebut ne sont pas aléatoires, ils fonctionnent plutôt comme des définitions dans un dictionnaire ou comme des preuves compilées et construites. Pound «définit» des notions abstraites qui sont captées sur le film, mais négligées par l'observateur commun - matérialisant les portraits de l'immatériel. Par exemple, Portrait of the Wind (2013) comprend une grande collection de portraits de personnes «qui se trouvaient dans le vent», tandis que la série Crime Scene (2013) présente des photographies dans lesquelles les sujets semblent être décédés - en vérité The Photographer's Shadow est une série de photographies dans lesquelles l'ombre du photographe est capturée sur le film, tandis que dans The Missing
Pound a supprimé des personnes des cartes postales et photographies utilisant Photoshop.
Liu Xiaoxian
Originaire de Chine, Liu Xiaoxian (né en 1963 à Pékin) s'installe en Australie en 1990, après l'incident de Tiananmen. Son passé chinois et sa vie d'Australien «adopté» jouent un rôle important dans sa pratique artistique, qui explore les différences et les points communs entre l'Est et l'Ouest sur des questions telles que la culture, la tradition, la politique, la religion, l'identité et le genre. . À travers la photographie et la sculpture, Liu analyse les symboles occidentaux et orientaux emblématiques ou culturellement significatifs comme une expression de l'expérience des migrants, en les juxtaposant dans son travail. Son diptyque monumental Our Gods (2000), dans la collection de la galerie d'art de Nouvelle-Galles du Sud, rassemble des représentations du Christ souffrant et du Bouddha qui rit. Plus que simplement placés côte à côte, les deux portraits sont composés - à l'aide du montage et de la manipulation numérique - de 22 500 petites images répétées de l'autre, comme des pixels. Dans une œuvre antérieure, My Other Lives (1 ), Liu a utilisé des photographies de sa vaste collection d'albums de famille australiens. L'artiste a inséré numériquement son visage dans des images stéréographiques de familles australiennes du tournant du siècle. Liu tente de donner une visibilité à une histoire souvent oubliée des identités asiatiques dans la construction de la culture australienne, ainsi que de se pencher sur les notions de déplacement, de migration et d'identité.
Liu Xiao Xian: D'Est en Ouest. 7-12 septembre 2009, Galerie RMIT, vue d'installation. Photographie: Mark Ashkanasy | Courtoisie de RMIT Gallery, Melbourne
Pat Brassington Travaillant dans la photographie et les médias numériques, Pat Brassington (né en 1942) puise son inspiration dans le surréalisme, plongeant dans l'étrange et l'effet provocateur de l'ambiguïté sur l'interprétation. Son travail se déploie en images qui se transforment comme les taches d'encre d'un test de Rorschach, s'ouvrant aux possibilités infinies de nos états psychologiques internes liés aux récits de sexe, de mémoire et d'identité. Les images rêveuses de Brassington combinent analogique et numérique, passé et présent, créant une réalité ambiguë, parfois abstraite. Dans ses premiers travaux, elle a utilisé un film noir et blanc pour capturer des images poétiques et sombres de nus près des portes et d'autres œuvres. Dans les années 1990, Brassington s'est éloigné du médium traditionnel et a commencé à adopter la manipulation numérique. La capacité de démembrer, de déconstruire et de reconstruire des images a fait place à son imagination illimitée et lui a permis de poursuivre son intérêt de longue date dans l'espace entre la réalité et la fantaisie. L'artiste utilise des photographies trouvées ou existantes de sa propre collection personnelle, en les combinant avec des «éléments étrangers». Des images troublantes de bouches bâillonnées, comme dans Forget Your Perfect (2008), des cuisses contorsionnées et des éléments ressemblant à des organes génitaux, comme dans sa série In My Mother's (1994), ne sont que quelques-unes a produit. Pat Brassington, Shadow Boxer, 2013, épreuve pigmentaire, édition de 8, 72 x 50 cm | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Galerie ARC ONE
Peta Clancy
Peta Clancy (née en 1970) explore les thèmes de l'éphémère, de la temporalité, de la mutabilité et des limites corporelles et subjectives du corps humain. Sa pratique photographique s'éloigne des limites bidimensionnelles pour embrasser le champ élargi de la photographie, avec des interventions telles que le perçage, le froissement, le rainage et l'incrustation dans la cire, ainsi que la production de pièces d'installation telles que
This Skin I'm In (2002) - avec des images imprimées sur des oreillers en tissu. Adressant une préoccupation de la peau, la mortalité et le vieillissement, sa série qu'elle porte comme une carte sur sa peau (2005-2006) est composée d'images des yeux d'une femme et des lèvres perforées avec une aiguille en argent fin, pour créer un effet de dentelle . Clancy dit que «la peau n'a pas de racines, elle se décolle facilement comme du papier» (téléchargement PDF) et «les surfaces de la peau et la photographie sont au cœur» de son travail. La réalisation de la vulnérabilité et la fragilité du corps humain et comment il peut changer si rapidement sont au cœur d'une autre série, papier mince
(2007), où le papier est aussi représentatif de la peau humaine - l'artiste non seulement le perfore, mais il le froisse, comme pour représenter une peau ridée.
L'attente de la poussière pour s'établir
(2000-2005) saisit le temps qui passe et «les résidus minuscules de notre vie quotidienne» avec des images de traces et d'ombres laissées par des objets lorsqu'elles sont enlevées de leur place. Des fragments élargis de poussière et de peau morte suggèrent la mortalité et «la poussière dont le corps vient et à laquelle il reviendra. Peta Clancy, Elle porte tout cela comme une carte sur sa peau 1, de la série« Ponction », 2015, Type-C Impression photographique, 53 x 80 cm | Courtoisie de l'artiste Trent Parke Le photographe de Magnum, Trent Parke (né en 1971), s'inspire de son expérience de la vie quotidienne et travaille principalement avec la photographie de rue. En 2003, Parke a parcouru près de 90 000 km autour de l'Australie avec sa femme et collègue photographe, Narelle Autio. Le résultat a été Minutes to Midnight, une collection de photos du voyage qui offrent un portrait troublant de l'Australie du XXIe siècle, de l'outback desséché à la vie chaotique dans les villes autochtones reculées. En 2007, Parke s'est embarqué dans un voyage intérieur, pour explorer sa propre vie et son passé, comme il le dit, «fouiller mes propres histoires». Pendant sept ans, il a travaillé à The Black Rose Diaries, présenté à la Art Gallery of South Australia en 2015. La série a commencé comme Parke a reflété une nuit où, à l'âge de 12 ans, il a assisté à une crise d'asthme. À partir de ce moment-là, l'artiste a fermé tous les souvenirs de son enfance, jusqu'à ce qu'il affronte les problèmes et commence à créer une œuvre autour de lui. Composée de photographies, de lettres et de textes, la série raconte non seulement la vie passée et présente de Parke, mais pose aussi des questions universelles sur notre existence même. Dérivant de ses expériences quotidiennes et de ses réflexions sur la vie, le travail est une méditation sur les voyages de la vie et comment le présent, le passé et le futur sont liés. Trent Parke | © Jaaziel / Flickr, 2008 Petrina Hicks Petrina Hicks (née en 1972) utilise «le langage séduisant et brillant» de la photographie commerciale - son expérience professionnelle - pour aborder les questions de beauté et de perfection, tout en explorant capacité de la photographie à créer et corrompre les processus de consommation et de séduction. Ses images présentent des sujets apparemment sans défaut, juxtaposés à des éléments «étrangers», étranges, qui déconcertent le spectateur, soulignant la tension entre la beauté et l'imperfection. Dans Shenae et Jade (2005), une jeune mannequin tient une perruche par la tête dans sa bouche - une combinaison improbable et non conventionnelle qui déséquilibre le portrait perfectionniste de la mode. Hicks explore souvent l'identité féminine, référençant la mythologie et l'histoire de l'art, et les reliant à la culture de l'image contemporaine. Ceci est évident dans
Hippy and the Snake
(2011), une série composée d'une vidéo et de photographies à grande échelle qui référençait subtilement Eve et le serpent dans un jardin d'Eden ré-imaginé. Dans
Vénus
et
La Naissance de Vénus
, elle pointe avec justesse une déesse mythologique et un autre symbolisme féminin, tout en faisant écho à des notions plus contemporaines du féminisme et du regard masculin sexualisé. (PDF download) D'autres travaux font référence à la relation symbiotique entre l'humain et l'animal, comme Lambswool ou Rosemary's Baby (2008). Petrina Hicks, Shenae et Jade, 2005, de la série Untitled 2005, impression jet d'encre | Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Michael Reid Sonia Payes Le photographe et artiste des nouveaux médias Sonia Payes (né en 1956) s'est tourné vers le surréalisme en créant des images multicouches dans lesquelles les éléments sont inversés, obscurcis et laissé invisible. À travers sa pratique photographique et ses nouvelles animations multimédia et installations tridimensionnelles, Payes explore les thèmes de la destruction de l'environnement, de l'apocalypse et du renouveau de notre futur. L'artiste a attiré l'attention avec ses essais photographiques sur 60 artistes australiens dans UNTITLED. Portraits of Australian Artists , publié par Macmillan en 2007. En 2012, Payes a entrepris une résidence avec l'Australia China Art Foundation en milieu rural. Beijing, qui a culminé avec la production de la série
Interzone
, présentée à Fehily Contemporary en 2013. Pendant son séjour à Pékin, Payes a été immergée dans l'environnement difficile du développement urbain rapide de la Chine - les terres agricoles étaient rapidement remplacées par carrières et ciment. L'artiste a été témoin de changements significatifs non seulement dans le paysage et l'environnement, mais aussi dans les relations humaines. Grâce à sa série, Payes a fourni un commentaire social ainsi que reflété sur les nouvelles interrelations de l'environnement humain causées par la vaste industrialisation de la Chine. 'Re-generation' (2014) a exploré la pratique de Payes à travers une variété d'œuvres, dont Earth Warriors et
Ice Warriors , présentés comme des 'guides' pour guider l'humanité dans sa quête de nouvelles solutions à la dégradation. notre environnement. D'autres séries illustrent et réfléchissent sur la résilience de l'humanité et sa capacité à changer sans cesse et à s'adapter à l'environnement mutable de la terre. Sonia Payes, Guerriers de l'eau, du Guerrier Série 1, 2014, Type C, édition de 5, 56 x 196 cm | Courtoisie de l'artiste
