10 Œuvres Incontournables À La Tate Modern De Londres
Marilyn Diptych | © Andy Warhol Fondation pour les arts visuels / Wikicommons
Marilyn Diptych (1962) par Andy Warhol
Andy Warhol est un nom connu dans le monde de l'art, et cette pièce sur Marilyn Monroe est étrangement plus pertinente dans la photo d'aujourd'hui et la culture pop-obsédé que jamais auparavant. Fabriqué dans les mois suivant la mort de la star, Warhol combine les idées de finitude et le culte de la célébrité en répétant la même image de la starlette avec un fondu progressif qui laisse deviner la mortalité, contrastant avec les images acidulées de gauche.
Femme nue avec collier (1968) de Pablo Picasso
L'une des œuvres les plus connues de Picasso, ce portrait coloré éclate avec une énergie et une vie débridées. Il représente la deuxième épouse de Picasso, Jacqueline Roque, et son expression faciale énigmatique est pleine de mystère pour rivaliser avec la Joconde - elle est à la fois vulnérable et provocante. La complexité de son portrait et la figuration chaotique du corps comme simultanément paysage et énergies naturelles résument la nature turbulente de leur mariage.
Femme nue au collier | © DACS 2002 / Wikicommons
Mountain Lake (1938) de Salvador Dalí
Cette pièce surréaliste tranquille et discrète est peut-être l'une des œuvres les plus nuancées de Dalí. Les gris doux et les bruns sont utilisés pour un effet très réaliste, et l'eau scintillante oscille quelque part entre le fait d'être un lac et le corps d'un poisson, reflétant l'idée surréaliste de permettre à plusieurs plans de coexister en un seul image. Cette dualité est redoublée dans les thèmes publics et privés à l'œuvre dans l'image; le lac naturel est une méditation sur la mort de son frère, tandis que le téléphone déconnecté fait allusion aux négociations entre le Premier ministre britannique de l'époque, Neville Chamberlain, et Hitler
L'Incertitude du poète (1913) de Georgio de Chirico
De Chirico style intensément réaliste pour créer une scène qui devient plus étrange plus vous le regardez. Ses peintures sont souvent empreintes d'un silence inquiétant, reflété dans le manque de sujets humains et dans l'utilisation de couleurs vives en bloc. L'image combine l'ancienneté de la statue tordue et des arcades avec le bateau à vapeur moderne à l'horizon, et les bananes qui brunissent rapidement pour créer un espace où coexistent de multiples temporalités. Paul Eluard écrivait: «Ces carrés sont extérieurement semblables aux carrés existants et pourtant nous ne les avons jamais vus ... Nous sommes dans un monde immense, auparavant inconcevable.»
«Seagram Murals» (1950s) ) par Mark Rothko
Initialement chargé de créer des peintures murales pour un restaurant new-yorkais, Rothko a abandonné le travail alors que son travail prenait un tour plus sombre et plus contemplatif. La bibliothèque Laurentienne de Michel-Ange à Florence a influencé ces méditations sur le rouge, le gris et le brun, Rothko cherchant à recréer l'atmosphère claustrophobe de la bibliothèque. Rothko a donné la collection finale à la Tate, et ils sont affichés comme il l'avait prévu à l'origine dans un espace fermé et faiblement éclairé qui permet au spectateur de prendre leur caractère morose et méditatif.
Foudre avec cerf dans son éclat (1958-1985) ) par Joseph Beuys
Cette pièce d'installation magnifique prend absolument le contrôle de la pièce avec son imposante taille et sa puissance. Le triangle de bronze suspendu est l'incarnation physique d'un coup de foudre, projetant sa lumière et son énergie sur la collection de formes qui l'entoure. Beuys était un artiste de performance aussi bien qu'un sculpteur, et cette pièce d'installation fourmille de l'énergie de la performance.
La foudre avec un cerf dans son éblouissement | © Jennifer Morrow / Flickr
Spatial Concept 'Waiting' (1960) de Lucio Fontana
L'art moderne remet en question les œuvres d'art traditionnelles, forçant le spectateur à gratter la surface et à considérer la vraie nature de la représentation artistique. Peut-être qu'aucun travail ne le fait plus simplement et efficacement que Spatial Concept 'Waiting', qui présente au spectateur une toile audacieusement taillée et leur demande de réfléchir sur la nature de l'image et la matérialité du tableau.
Jazzmen (1961) de Jacques Mahé de la Villeglé
Au cœur du Found Art Movement, l'œuvre de Villeglé montre les débris et traces laissés par la ville moderne. Villeglé faisait partie d'un groupe d'artistes connu sous le nom «d'affichistes», et son travail se penche sur la culture capitaliste infatigable qui entourait Paris dans les années 1950 et 1960. Cette pièce est composée de fragments de publicités et de panneaux d'affichage à travers la ville, capturant, d'une part, le flot de publicités bombardées sur les habitants de la ville et, d'autre part, la création téméraire et énergique de l'artiste moderne. © Caetano Candal / Flickr
Blindly (2010) par Artur Zmijewski
Cette installation vidéo émouvante documente des scènes d'un atelier d'artiste, où les personnes malvoyantes sont invitées à peindre un portrait, un paysage et un animal. Zmijewski est connu pour traiter des sujets difficiles, et c'est l'une de ses pièces les plus affectives examinant le monde du point de vue des personnes handicapées. Il y a un élément très personnel et tactile à chaque tableau créé, mais toujours à l'arrière-plan est la réalisation que nous pouvons voir chaque travail alors que ses créateurs ne le peuvent pas.
Tiny Deaths (1993) par Bill Viola
que vous serez complètement immergé dans une œuvre dans un espace de galerie un samedi après-midi bien rempli, mais
Tiny Deaths a le pouvoir de faire exactement cela. Bill Viola est l'un des artistes vidéo les plus importants depuis plus de 40 ans, et avec Tiny Deaths, il demande au spectateur d'entrer dans l'obscurité, où trois images vidéo sont à peine perceptibles. Enveloppés dans les ténèbres, les sens s'épanouissent et la musique mystérieuse et les images à peine construites se construisent en un crescendo de lumière et d'image nous demandant de réfléchir sur l'espace entre notre monde intérieur et extérieur.
