8 Peintures Incontournables Au Musée D'Orsay
Un Enterrement à Ornans (vers 1849), Gustave Courbet
Un pionnier du milieu Le réalisme français du 19ème siècle, Gustave Courbet a cherché à déplacer la peinture loin de ce qu'il a vu comme l'académisme élitiste des artistes romantiques comme Jacques-Louis David, Eugène Delacroix et Jean-Auguste-Dominique Ingres. Courbet voulait créer une nouvelle esthétique socialement responsable, ancrée dans le monde matériel et qui monumentalisait la classe paysanne non-éduquée. L'imposante taille de A Burial At Ornans est une déclaration d'intention; pour la première fois dans l'histoire, les pauvres occupaient une place centrale - un privilège accordé uniquement aux personnalités riches et classiques. Le tableau aborde subtilement la sécularisation croissante de la France de l'époque, avec des clercs dépeints comme des caricatures grossières avec le dos tourné au Christ, qui passe apparemment inaperçu par les pleureuses.
Gustave Courbet - Un enterrement à Ornans - Google Art Project 2 | © Google Art Project / WikiCommons
Bal du Moulin de la Galette (1876), Pierre-Auguste Renoir
Alors que les peintures de Courbet visent à mettre la paysannerie au premier plan artistique, le Bal du Moulin de Pierre-Auguste Renoir La Galette a capturé la culture du café en plein essor et la classe bourgeoise, qui a balayé Paris dans les années 1870. Après les années 1850 et 1860, lorsque le Baron Haussmann a réaménagé la capitale française d'une ville médiévale crasseuse en une ville moderne avec de larges boulevards, des espaces ouverts et des bâtiments en uniformes, Paris est devenu un centre urbain pour les artistes, les écrivains et les riches. fêtards. La peinture de Renoir capture le dynamisme de ce nouveau Paris - une ville dans laquelle les gens pouvaient profiter tranquillement de la journée, danser et boire avec leurs amis. Ce travail offre un aperçu saisissant de la mode et de l'esprit de l'époque, une représentation emblématique de cette ville animée et romantique. Auguste Renoir - Danse au Moulin de la Galette - Musée d'Orsay RF 2739 (travail dérivé - AutoContrast éditer dans l'espace LCH) | © WikiCommons
Dîner au bal (1879), Edgar Degas
Une très petite peinture et en aucun cas l'une des œuvres les plus célèbres de Degas au d'Orsay,
Dîner au bal est un morceau de commentaire social étonnant et nuancé. A première vue, cette image semble avoir beaucoup en commun avec le Bal du Moulin de Renoir comme une image de la société en jeu décrite dans des couleurs vibrantes, mais elle semble être plus un avertissement qu'une célébration de la bourgeoisie Status Quo. Dans un environnement d'une telle décadence, rempli de lustres, de costumes coûteux et de riches décorations dorées et rouges, les personnages sont réduits à un niveau d'anonymat complet et sans visage. La technique du flou évoque non seulement l'énergie de la pièce, mais suggère une sorte de fugacité et l'idée que rien n'est stable ou n'a sa propre identité individuelle dans ce monde matérialiste. Nous devons nous méfier, semble dire Degas, de ne pas échanger notre individualité contre une vie d'opulence et d'excès. Olympia (1863), Edouard Manet L'un des tableaux les plus controversés du siècle, Edouard Manet
Olympia
a choqué les critiques quand il a été exposé pour la première fois en 1863. Défiant la tradition du nu classique, idéalisé, Manet a forcé ses spectateurs à regarder une «vraie» femme contemporaine. Olympia est une prostituée, effrontément à l'aise et fière de sa nudité, regardant directement le spectateur - contre la convention artistique des femmes en tant que parangons passifs de la beauté. Manet ne cherchait pas seulement à rompre avec les précédents, mais à souligner l'ironie de la «modernisation» retrouvée de Paris, alors que la haute société ne pouvait toujours pas contenter la libération sexuelle et l'affirmation de soi des femmes. Les critiques s'offusquent du contenu thématique de la peinture ainsi que du style de l'artiste, qu'ils jugent trop simpliste avec une composition imparfaite. Studio de Bazille, (1870) Frédéric Bazille Les tensions autour des rôles traditionnels de genre sont devenues de plus en plus répandues au 19ème siècle, et
Bazille's Studio
de Frédéric Bazille souligne la disparité entre hommes et femmes dans le monde de l'art. temps. La peinture représente un groupe d'hommes - probablement les amis des artistes - observant, parlant et analysant, avec des figures nues comme seule présence féminine dans l'œuvre. Ces muses ne sont rien d'autre que symboliques - piégées dans leurs scènes domestiques pastorales pour être objectivées et évaluées, voyeuristically, par les intellectuels masculins dans le tableau. Frédéric Bazille - Studio de Bazille - Google Art Project | © cAF7KPVs5G2guA au Google Cultural Institute / WikiCommons Les Cardplayers (1890-1895), Paul Cézanne
L'un des nombreux tableaux représentant des joueurs de cartes produits par Paul Cézanne au début des années 1890,
The Cardplayers
l'une des œuvres les plus durables de l'ère post-impressionniste. Cézanne, comme Courbet avant lui, cherchait à célébrer les membres communs de la paysannerie qui peuplait sa Provence natale. Désintéressé par le réalisme, Cézanne dépeint ses personnages à travers de larges coups de pinceau, saturés de tons de terre comme des oranges et des bruns pour transmettre la chaleur de cette région et de ses habitants. Loin de la métropole trépidante de Paris, Cézanne voulait que son art provincial représente la stabilité et l'harmonie que l'on croit être présentes dans la vie archaïque. Card Players-Paul Cezanne | © //www.the-athenaeum.org/art/full.php?ID=6371/WikICommons Londres, Chambres du Parlement (1904), Claude Monet
Alors que Claude Monet est mieux associé à des images représentant Paris et la campagne française, les Chambres du Parlement de Londres ont été le sujet de certaines des œuvres les plus fascinantes de l'artiste dans ses dernières années. Un pionnier impressionniste, Monet a rejeté l'accent traditionnel de précision dans l'art; il a plutôt cherché à capturer l'essence d'un moment, tel que le soleil qui traverse la brume. En concurrence avec la technologie naissante de la photographie, Monet a estimé que les peintures devraient dépeindre le monde d'une manière qu'aucune caméra ne pourrait jamais.
Londres, Houses of Parliament
est un brillant exemple archétypal du style impressionniste que Monet a maîtrisé, faisant l'utilisation de rouges et d'oranges discrets contrastant avec le bleu foncé et la silhouette noire des édifices du Parlement pour créer cet air de lumière émergeant de la brume. Claude Monet 015 | © legs du Comte Isaac de Camondo et du Musée d'Orsay / WikiCommons Autoportrait
(1889), Vincent Van Gogh
L'emblématique Autoportrait
de Vincent Van Gogh en est un 40 peintures que l'artiste a produites de lui-même dans sa courte carrière. Ayant déménagé à Paris en 1886 et appris des œuvres de ses contemporains impressionnistes, Van Gogh a fusionné ces influences avec celles de l'art du bois japonais comme ukiyo-e pour créer un style délicat et fluide. Pourtant, pour Van Gogh, ces autoportraits étaient plus qu'un simple processus d'expérimentation artistique et d'auto-promotion - ils essayaient de comprendre le «soi» cohérent, qui était particulièrement embrouillé par sa lutte à long terme contre la maniaco-dépression. Sa maladie hante constamment son travail; le sombre, feu Van Gogh est tout à fait incongru avec les coups de pinceau joyeux qui constituent l'arrière-plan - peut-être allusion à ses propres sentiments d'inconfort et d'aliénation de son entourage. Vincent van Gogh - Autoportrait | © 9gFw_1Vou2CkwQ au Google Cultural Institute / WikiCommons Musée d'Orsay, 1 rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris +33 1 4049 4814. Ouvert tous les jours de 9h30 à 18h, jeudi jusqu'à 21h45, fermé le lundi. 12 €, 9 € de concessions, gratuit pour les moins de 18 ans et les membres.
