Les 10 Artistes Des États Du Sud Que Vous Devriez Savoir

Les États du Sud sont chargés d'histoire. Cependant, ce poids existant n'a rien fait pour supprimer sa scène artistique contemporaine dynamique et dynamique. Avec de multiples médiums et messages, les artistes suivants expriment une sensibilité du Sud d'une manière étonnamment originale et spectaculaire.

The Banshee and Her Conspiracy | © Matt Haffner

Matt Haffner

Cette introduction commence avec la mise en garde que Matt Haffner n'est pas techniquement du Sud, il vient du Midwest. Cependant, sa présence dans le monde de l'art en Géorgie, en termes de prix, une carrière d'enseignant, et de nombreuses expositions en solo et en groupe, font de lui un artiste honoraire du Sud. Il travaille à travers plusieurs médias, utilisant à la fois la rue et la toile comme plate-forme pour ses idées. Une grande partie de son travail est de grande envergure et en raison de son emplacement urbain, de nature temporaire. Son amour de la ville et la compréhension de sa voix sont indéniables. Matt Haffner transforme et injecte dans chaque espace où il travaille les sons que tout citadin connaît par cœur, le bourdonnement constant de l'énergie non diluée.

Lonnie Holley

Lonnie Holley prétend avoir été échangé contre une bouteille de whisky à l'âge de quatre ans. À 29 ans, il a commencé à faire de l'art à partir de restes de moules industriels mis au rebut. De détritus, il a créé des sculptures en grès. Plus tard, ses matériaux artistiques se sont étendus à toutes les découvertes de la malbouffe, des os d'animaux aux chaussures perdues depuis longtemps, il a recueilli et créé des espaces d'art immersifs dans des terrains abandonnés près de sa maison à Birmingham, en Alabama. Plus récemment, en 2012, Lonnie Holley est devenu un artiste d'enregistrement à l'âge mûr de 62 ans. Il est impossible de classer «Just Before Music» autrement qu'en disant qu'il est obsédant et impossible à ébranler. Découvrez son art et sa musique pour avoir un aperçu de la vie inventive d'un homme qui a secoué l'Alabama et fait des merveilles de la poubelle.

Brian Michael Reed

Né à Charleston, Virginie-Occidentale, Brian Michael Reed sur de multiples influences culturelles pour l'inspiration. Exposant une gamme d'expériences, y compris grandir dans le Sud et un temps immergé en Chine, les frontières entre l'Est et l'Ouest sont confrontées à la couleur et la compréhension locale. Travaillant à travers les médiums, ses installations provocantes et ses peintures vibrantes sont à la fois belles et pleines de significations pas clairement explicites. Des corps nus et de belles couleurs s'entrechoquent de manière provocante et apaisante.

Charlie Parker | © Patterson & Barnes

Patterson & Barnes

Les peintures de Patterson & Barnes chantent en hommage aux grands noms du blues et du jazz. Utilisant une gamme de médiums incluant l'aquarelle, l'acrylique, le collage et l'encre, leur style collaboratif et créatif correspond à leurs sujets. Avec les couleurs expressionnistes et les formes abstraites, il est impossible de placer ces artistes dans une boîte étiquetée. Ces peintures sont mieux appréciées avec l'influence musicale correspondante jouant en arrière-plan. Regardant leur portrait de Charlie Parker, Birdland se gonfle intuitivement sur le fond blanc rayé.

Big Nine | © Willie Birch / Galerie Arthur Roger

Willie Birch

L'art de Willie Birch vit et respire la Nouvelle-Orléans. Ses dessins en noir et blanc à grande échelle décrivent sa ville natale à la fois comme un étranger qui a passé la plus grande partie de sa vie à New York, et comme quelqu'un ayant une connaissance inhérente de son rythme et de son rythme. Il peint ses sujets avec un large pinceau tout en les connaissant personnellement; Son travail vise à comprendre et à expliquer la trajectoire du patrimoine afro-américain à la Nouvelle-Orléans. Par la nature de leurs traits distinctifs, ses figures dessinées sont proéminentes, une forme visuelle de jazz qui semble à la fois artificielle et spontanée.

Tatoué | © Mary Jane Parker / Galerie Arthur Roger

Mary Jane Parker

Mary Jane Parker traite expressément de la division faiblement éclairée entre la nature et l'art. Avec ses œuvres, elle explore la proximité à l'image des veines humaines, du sumac vénéneux et de la dentelle délicate. Ses travaux récents recouvrent de délicats motifs translucides sur les visages luminescents des femmes mélancoliques. Avec ces dessins méticuleux et ornés, en utilisant un crayon 2B, elle explore les préoccupations historiques de l'hystérie au 19ème siècle. Le caractère nécessairement obsessionnel de la production de ces œuvres est destiné à imiter l'art et l'artisanat domestique des femmes d'une période «encline à l'hystérie».

Meg Aubrey

Meg Aubrey confronte les angoisses cachées du rêve américain de Norman Rockwell. Utilisant des lignes épurées et des couleurs distinctes pour représenter la perfection froide de la vie de banlieue, elle suggère la solitude du bonheur perçu. Avec les bons vêtements, le bon style de vie, et la bonne voiture peut venir des passions inassouvies et une incapacité à exposer la peur sous-jacente. Beau et sombre, Meg Aubrey encourage le spectateur à reconsidérer ses perceptions préconçues et à réévaluer ce que le rêve américain signifie aujourd'hui.

Lux | © Caroline Smith / Espace blanc

Caroline Smith

Caroline Smith crée des Chimères. Avec ces créatures anthropomorphes, elle supprime les caractéristiques distinctives de la race et du genre, exposant l'os de nos angoisses, peurs, intentions et rêves cachés et pas si cachés. Ces structures sont conçues comme une sortie brute de la vie, apparaissant à la fois agressives avec les dents et vulnérables dans une série d'ondulations délicates. Son choix d'argile en tant que médium est dû à ses propriétés caméléïques, à sa capacité humaine à imiter superficiellement les autres et à masquer sa vraie nature. Malgré leur absence de traits explicitement humains, il est difficile de ne pas être affecté par les charmes et les affronts des Chimères.

Les Samaritains | © Bo Bartlett

Bo Bartlett

Bo Bartlett construit des mondes qui apparaissent simultanément vrais et éthérés. Suivant la tradition du réalisme américain définie par des artistes comme Thomas Eakins et Andrew Wyeth, Bo peuple ses rêves américains avec des personnages que vous connaissez et des objets qui vous sont familiers. Avec un regard perspicace, vous pouvez souvent choisir des allusions d'une enfance géorgienne. Cependant, comme dans Les Samaritains, l'emplacement est souvent indéfini et l'histoire n'est pas connue. Qu'est-ce qui tient le regard de la fille avec un chapeau conique? Où est la fille dans le tutu qui va danser? Ces questions ne peuvent être résolues que dans votre esprit, donnant à la peinture une seconde occupation et donc une seconde vie. De cette façon, Bo Bartlett crée quelque chose qui vit à l'extérieur de lui-même et vaut certainement un regard prolongé.

The Second Fiddle | © Amanda Hope Cuisinière

Amanda Hope Cuisinière

Reining de Nashville, Tennessee, Amanda Hope Les peintures à l'huile remarquablement photographiques de Hope Hope suggèrent un engagement profond et une connexion avec le Sud. Sa dernière série de peintures urbaines dépeignent des enseignes au néon de Columbus, Nashville et Asheville. La série s'intitule Looking Up et encourage le spectateur à admirer le contraste entre le ciel bleu / noir et les formes colorées et audacieuses des panneaux. Ces peintures ne sont pas seulement une célébration des signes eux-mêmes, mais aussi un moyen de préserver une forme d'art en déclin rapide.