Les 10 Œuvres Incontournables À Voir À Tate Britain
Ophélie - Sir John Everett Millais, 1851-2
La description hantée de Millais de cette héroïne shakespearienne condamnée est tout simplement emblématique. Il capte le moment de Hamlet où Ophélia, rendue folle par le fait que son amant a assassiné son père, se noie dans un ruisseau. Elle est entourée d'une série de fleurs symboliques, avec des violettes signifiant la chasteté, la mort des coquelicots et des saules, des orties et des pâquerettes innocentes. En tant que membre de la Fraternité préraphaélite, Millais était dédié à l'observation de la beauté naturelle dans le monde qui nous entoure, mais aussi sous le couvert de belles femmes. Elizabeth Siddal (qui a épousé plus tard Rossetti) a modelé pour la peinture. Elle devait poser sur une période de quatre mois, allongée dans un bain d'eau. Cette expérience l'a amenée à contracter un tel rhume que son père a menacé de poursuivre, à moins que l'artiste n'ait payé ses factures médicales.
Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-2 | Avec la permission de Tate
Draped Assis Woman - Henry Moore, 1957-8
Avec sa belle draperie, cette sculpture rappelle l'antiquité ancienne, tout en appliquant le style spécifique du modernisme de Moore. Il s'agit de l'un des moulages qui présentent une silhouette aux proportions déformées, avec un torse trop large et une tête en forme de bloc. La pose inhabituelle et gelée était un exercice de formalisme, et a plus qu'un clin d'œil aux Marbres d'Elgin. Tous deux partagent un sentiment de mouvement semblable à la vie, comme s'ils avaient été figés dans le temps.
Henry Moore, Draped Seated Woman, 1957-8. Prêt d'une collection privée 1989. Prêt à long terme à Tate | © La Fondation Henry Moore. Tous les droits sont réservés. Collection privée
Chaise - Allen Jones, 1969
La série controversée de «meubles» de l'artiste pop britannique a provoqué l'indignation pour sa fétichisation du corps féminin, depuis que les trois pièces ont été exposées pour la première fois en 1970. Avec Chaise, l'artiste a produit une table et un porte-chapeaux, présentant des mannequins aux gros seins et aux gros seins dans des poses érotiques similaires. Le premier est devenu le plus infâme en raison du fait qu'il a été vandalisé avec un décapant pendant l'exposition Tate en 1986 Quarante ans d'art moderne . La sculpture a toujours la capacité de choquer aujourd'hui, certains prétendant qu'elle symbolise l'oppression féminine, tandis que d'autres la considèrent comme un objet important dans le canon de l'histoire de l'art.
Allen Jones, président, 1969 | Tate © Allen Jones
The Pond - LS Lowry, 1950
Le nom LS Lowry est synonyme de scènes industrielles britanniques peuplées de ses «hommes allumettes» caractéristiques. Bien que ses peintures soient enracinées dans le réalisme, décrivant la vie des communautés ordinaires dans les villes urbaines du Nord dominées par les usines, il a préféré travailler directement sur une toile vierge, en construisant des motifs au fur et à mesure. L'artiste a décrit la peinture de cette œuvre: «Je n'avais pas la moindre idée de ce que j'allais mettre dans la toile quand j'ai commencé la photo mais elle est finalement sortie comme vous le voyez. C'est comme ça que j'aime le mieux travailler.
L S Lowry, The Pond, 1950 | Tate © La succession de LS Lowry
Hope - George Frederic Watts, 1886
Malgré son titre optimiste, ce tableau est criblé d'ambiguïté. Le personnage aux yeux bandés semble désespéré ou épuisé, tenant une lyre dont toutes les cordes ont été cassées, sauf une. Watts était connu pour avoir créé des œuvres fantasmagoriques qui transcendaient n'importe quel moment ou lieu, et cette femme isolée apparaît ici assise au sommet d'un globe indiscernable. Il s'agit d'une des deux pièces allégoriques créées par l'artiste et son assistant, mais cette deuxième version a été jugée supérieure en raison de l'expression merveilleuse sur le visage de la femme, ainsi que de l'enlèvement d'une petite étoile qui rendait le symbolisme trop lourd. remis.
George Frederic Watts, Hope, 1886 | Tate. Présenté par George Frederic Watts 1897
Figure assise - Francis Bacon, 1961
En plus d'exposer les échelons les plus sombres de l'esprit, Bacon s'intéressait aussi à l'espace pictural. En tant que tel, il a souvent utilisé un dispositif de cadrage qui non seulement isole le sujet, mais invite également le spectateur à regarder au-delà des domaines de la figuration. Les traits faciaux de ce modèle anonyme et tordu sont lourdement sur-peints, conduisant à un visage disjoint à plusieurs facettes. Ce traitement est devenu une marque de commerce de l'artiste durant cette période et fait allusion à la fragilité fractieuse de l'humanité.
Francis Bacon, Figure assise, 1961. Tate, Présenté par J. Sainsbury Ltd 1961 | © Domaine de Francis Bacon
L'Ange debout au soleil - JMW Turner, 1846
Alors que Turner entre dans les dernières années de sa vie, il se préoccupe des notions de mort, ainsi que des histoires bibliques de juste rétribution. Cette peinture combine sa maîtrise glorieuse de la lumière et de la couleur, qui était devenue une cause de beaucoup de controverse aux yeux de ses critiques. Beaucoup de Royal Academians ont jugé sa nouvelle fluidité grossière ou vulgaire, mais Turner était consacré à cette nouvelle manière de voir le monde. Dans ce travail, l'Archange Michel brandit son épée, prêt à frapper les pécheurs en bas. Le magnifique ciel tourbillonnant semble être en feu, et Turner utilise le contact le plus léger de son pinceau pour faire allusion aux foules terrifiées qui tentent de fuir le chaos inévitable.
JMW Turner, L'Ange debout au soleil, exposé 1846 | David Hockney, 1967
Quand Hockney est arrivé en Californie un an après avoir obtenu son diplôme du Royal College of Art, il a été surpris de découvrir que tout le monde avait une piscine - un concept surprenant pour un jeune homme avait l'habitude de friltre, la vie austère en Grande-Bretagne. Les piscines sont rapidement devenues un thème récurrent pour l'artiste, car il était fasciné par l'idée de représenter l'eau. Cette peinture est la plus grande de trois œuvres «splash», qui représentent toutes l'architecture des années 1960 couplée avec des couleurs dramatiques et audacieuses. L'œuvre est actuellement exposée au Pompidou à Paris et fera également le tour du Metropolitan Museum of Art, avant de rentrer chez elle
The Rescue of Andromeda - Henry C Fehr, 1893
Cette sculpture dramatique représente la légende grecque au moment où Persée sauve Andromeda d'être dévoré par un monstre marin. Il tient la tête coupée de Méduse, qui a le pouvoir de transformer n'importe quelle créature en pierre avec son regard, ainsi qu'un poignard important. La composition inhabituelle équilibre chacune des trois figures les unes sur les autres, avec le pauvre Andromeda enchaîné à un rocher, sous la bataille. En raison de la taille de la sculpture, il a été déplacé en permanence à l'extérieur en 1911, beaucoup à la consternation de l'artiste.
«Le sauvetage d'Andromède», 1893, Henry C Fehr | Présenté par les fiduciaires du legs de Chantrey 1894
Aucune femme, aucun cri - Chris Ofili, 1998
Cette énorme peinture est un hommage à la mère de Stephen Lawrence, qui a été assassiné dans une attaque raciste en 1993; il a remporté le prix Ofili le Turner cinq ans plus tard. Le profil de Doreen Lawrence pleure sur une toile de fond collée faite de reproductions découpées d'une peinture de Bridget Riley, et chacune de ses grosses larmes contient une image de son fils. La toile est appuyée sur deux gros morceaux de bouse d'éléphant, un matériau que Ofili a abondamment utilisé dans ses premières œuvres. En plus de rappeler un événement spécifique et horrifiant, la pièce fait aussi allusion au chagrin universel.
Chris Ofili, No Woman, No Cry 1998 | Photo: Tate. © Chris Ofili
